1926-1954 : Début de vie et carrièreEdit
Coltrane est né dans l’appartement de ses parents au 200 Hamlet Avenue à Hamlet, en Caroline du Nord, le 23 septembre 1926. Son père était John R. Coltrane et sa mère était Alice Blair. Il grandit à High Point, en Caroline du Nord, et fréquente la William Penn High School. À partir de décembre 1938, son père, sa tante et ses grands-parents meurent à quelques mois d’intervalle, laissant sa mère et un cousin proche l’élever. En juin 1943, il déménage à Philadelphie. En septembre, sa mère lui achète son premier saxophone, un alto. Il joue de la clarinette et du cor alto dans un groupe communautaire avant de commencer le saxophone alto au lycée. Du début au milieu de l’année 1945, il a son premier travail professionnel : un » cocktail lounge trio » avec piano et guitare.
Pour éviter d’être appelé par l’armée, Coltrane s’engage dans la marine le 6 août 1945, le jour où la première bombe atomique américaine est larguée sur le Japon. Il a suivi une formation d’apprenti marin à la Sampson Naval Training Station, dans le nord de l’État de New York, avant d’être expédié à Pearl Harbor, où il a été affecté à la caserne Manana, la plus grande affectation de militaires afro-américains au monde. Lorsqu’il arrive à Hawaï fin 1945, la marine est en train de réduire ses effectifs. Le talent musical de Coltrane est reconnu, et il devient l’un des rares hommes de la Navy à servir en tant que musicien sans avoir obtenu de qualification de musicien lorsqu’il rejoint les Melody Masters, l’orchestre swing de la base. Cependant, comme le Melody Masters était un groupe entièrement composé de Blancs, Coltrane a été traité comme un simple invité afin de ne pas alerter les officiers supérieurs de sa participation au groupe. Il a continué à remplir d’autres fonctions lorsqu’il ne jouait pas avec l’orchestre, notamment des tâches de cuisine et de sécurité. À la fin de son service, il avait assumé un rôle de leader dans l’orchestre. Ses premiers enregistrements, une session informelle à Hawaï avec des musiciens de la marine, ont lieu le 13 juillet 1946. Il joue du saxophone alto sur une sélection de standards de jazz et d’airs de bebop. Il est officiellement libéré de la marine le 8 août 1946. Il a été décoré de la Médaille de la campagne d’Asie-Pacifique, de la Médaille de la campagne américaine et de la Médaille de la victoire de la Seconde Guerre mondiale.
Après avoir été libéré de la Marine en tant que matelot de première classe en août 1946, Coltrane est retourné à Philadelphie, où il a « plongé dans l’excitation grisante de la nouvelle musique et de la scène bebop florissante. » Après une tournée avec King Kolax, il rejoint un groupe dirigé par Jimmy Heath, qui a été initié au jeu de Coltrane par son ancien camarade de la marine, le trompettiste William Massey, qui avait joué avec Coltrane dans le groupe Melody Masters. Il a étudié la théorie du jazz avec le guitariste et compositeur Dennis Sandole et a continué sous la tutelle de ce dernier jusqu’au début des années 1950. Bien qu’il ait commencé au saxophone alto, il a commencé à jouer du saxophone ténor en 1947 avec Eddie Vinson.
Coltrane a qualifié cette période de « zone d’écoute plus large qui s’est ouverte pour moi. Il y avait beaucoup de choses que des gens comme Hawk , et Ben et Tab Smith faisaient dans les années 40 que je ne comprenais pas, mais que je ressentais émotionnellement. » Une influence importante, selon le saxophoniste ténor Odean Pope, a été le pianiste, compositeur et théoricien de Philadelphie Hasaan Ibn Ali. « Hasaan a été l’indice du… système utilisé par Trane. Hasaan a eu une grande influence sur le concept mélodique de Trane. » Coltrane est devenu un fanatique de la pratique et du développement de son art, pratiquant « 25 heures par jour » selon Jimmy Heath. Heath se souvient d’un incident dans un hôtel de San Francisco où, après une plainte, Coltrane a retiré le cor de sa bouche et s’est exercé au doigté pendant une heure entière. Son dévouement était tel qu’il lui arrivait fréquemment de s’endormir avec le cor encore dans la bouche ou de pratiquer une seule note pendant des heures.
Un moment important dans la progression du développement musical de Coltrane s’est produit le 5 juin 1945, lorsqu’il a vu Charlie Parker se produire pour la première fois. Dans un article du magazine DownBeat en 1960, il se souvient : » la première fois que j’ai entendu Bird jouer, ça m’a frappé entre les deux yeux. » Parker devient une idole, et ils jouent ensemble occasionnellement à la fin des années 1940. Il était membre des groupes dirigés par Dizzy Gillespie, Earl Bostic et Johnny Hodges au début et au milieu des années 1950.
1955-1957 : Période Miles et MonkEdit
En 1955, Coltrane travaille en free-lance à Philadelphie tout en étudiant avec le guitariste Dennis Sandole lorsqu’il reçoit un appel du trompettiste Miles Davis. Davis avait connu le succès dans les années 40, mais sa réputation et son travail avaient été endommagés en partie par son addiction à l’héroïne ; il était à nouveau actif et sur le point de former un quintet. Coltrane fait partie de cette édition du groupe de Davis (connue sous le nom de « First Great Quintet » – avec Red Garland au piano, Paul Chambers à la basse et Philly Joe Jones à la batterie) d’octobre 1955 à avril 1957 (avec quelques absences). Au cours de cette période, Davis publie plusieurs enregistrements influents qui révèlent les premiers signes de l’aptitude croissante de Coltrane. Ce quintette, représenté par deux sessions d’enregistrement marathon pour Prestige en 1956, a donné naissance aux albums Cookin’, Relaxin’, Workin’ et Steamin’. Le « First Great Quintet » se dissout en partie à cause de l’addiction à l’héroïne de Coltrane.
Pendant la dernière partie de l’année 1957, Coltrane travaille avec Thelonious Monk au Five Spot Café de New York, et joue dans le quartet de Monk (juillet-décembre 1957), mais, en raison de conflits contractuels, ne participe qu’à une seule session d’enregistrement officielle en studio avec ce groupe. À cette époque, Coltrane enregistre de nombreux albums pour Prestige sous son propre nom, mais Monk refuse d’enregistrer pour son ancien label. Un enregistrement privé réalisé par Juanita Naima Coltrane d’une réunion du groupe en 1958 a été publié par Blue Note Records sous le titre Live at the Five Spot-Discovery ! en 1993. Une bande de haute qualité d’un concert donné par ce quartet en novembre 1957 a également été retrouvée plus tard, et a été publiée par Blue Note en 2005. Enregistrées par Voice of America, les performances confirment la réputation du groupe, et l’album qui en résulte, Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall, est largement acclamé.
Blue Train, la seule date de Coltrane en tant que leader pour Blue Note, avec le trompettiste Lee Morgan, le bassiste Paul Chambers et le tromboniste Curtis Fuller, est souvent considéré comme son meilleur album de cette période. Quatre de ses cinq morceaux sont des compositions originales de Coltrane, et le morceau-titre, « Moment’s Notice », et « Lazy Bird », sont devenus des standards. Les deux airs employaient les premiers exemples de ses cycles de substitution d’accords connus sous le nom de Coltrane changes.
1958 : Davis et ColtraneEdit
Coltrane rejoint Davis en janvier 1958. En octobre de la même année, le critique de jazz Ira Gitler invente le terme de « feuilles de son » pour décrire le style que Coltrane a développé avec Monk et qu’il perfectionne dans le groupe de Davis, désormais un sextet. Son jeu était comprimé, avec des passages rapides en cascade de centaines de notes par minute. Coltrane se souvient : « J’ai découvert qu’il y avait un certain nombre de progressions d’accords à jouer dans un temps donné, et parfois ce que je jouais ne fonctionnait pas en croches, doubles croches ou triolets. Je devais mettre les notes dans des groupes inégaux, comme des cinq et des sept, afin de les faire rentrer toutes. »
Coltrane est resté avec Davis jusqu’en avril 1960, travaillant avec le saxophoniste alto Cannonball Adderley, les pianistes Red Garland, Bill Evans et Wynton Kelly, le bassiste Paul Chambers et les batteurs Philly Joe Jones et Jimmy Cobb. Durant cette période, il participe aux sessions Milestones et Kind of Blue de Davis, ainsi qu’aux enregistrements de concerts Miles & Monk at Newport (1963) et Jazz at the Plaza (1958).
1959-1961 : Période avec Atlantic RecordsEdit
À la fin de cette période, Coltrane enregistre Giant Steps (1959), son premier album en tant que leader pour Atlantic qui ne contient que ses compositions. Le titre de l’album est généralement considéré comme ayant l’une des progressions d’accords les plus difficiles de toutes les compositions de jazz largement jouées. Ses cycles de progression d’accords altérés sont connus sous le nom de « Coltrane changes ». Son développement de ces cycles a conduit à d’autres expérimentations avec la mélodie et l’harmonie improvisées qu’il a poursuivies tout au long de sa carrière.
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Coltrane a formé son premier quartet pour des performances live en 1960 pour une apparition à la Jazz Gallery de New York. Après être passé par différents personnels, dont Steve Kuhn, Pete La Roca et Billy Higgins, il a gardé le pianiste McCoy Tyner, le bassiste Steve Davis et le batteur Elvin Jones. Tyner, originaire de Philadelphie, était un ami de Coltrane depuis quelques années, et les deux hommes s’étaient entendus pour que Tyner rejoigne le groupe lorsqu’il se sentirait prêt. My Favorite Things (1961) est le premier album enregistré par ce groupe. C’est le premier album de Coltrane au saxophone soprano, qu’il a commencé à pratiquer alors qu’il était avec Miles Davis. Cela a été considéré comme une démarche non conventionnelle car l’instrument n’était pas aussi populaire dans le jazz que les autres types de saxophone.
1961-1962 : Premières années avec Impulse RecordsEdit
En mai 1961, le contrat de Coltrane avec Atlantic est racheté par Impulse ! Le passage chez Impulse ! signifie que Coltrane reprend sa relation d’enregistrement avec l’ingénieur Rudy Van Gelder, qui avait enregistré ses sessions et celles de Davis pour Prestige. Il enregistra la plupart de ses albums pour Impulse ! au studio de Van Gelder à Englewood Cliffs, dans le New Jersey.
Au début de 1961, le bassiste Davis avait été remplacé par Reggie Workman, tandis qu’Eric Dolphy rejoignait le groupe comme second cor. Le quintet a effectué une résidence célèbre et abondamment enregistrée au Village Vanguard, qui a démontré la nouvelle direction de Coltrane. Il s’agit de la musique la plus expérimentale qu’il ait jamais jouée, influencée par les ragas indiens, le jazz modal et le free jazz. John Gilmore, saxophoniste de longue date du musicien Sun Ra, a été particulièrement influent ; après avoir entendu un concert de Gilmore, Coltrane aurait dit : « Il l’a ! Gilmore a le concept ! » Le plus célèbre des airs du Vanguard, le blues de 15 minutes « Chasin’ the ‘Trane », a été fortement inspiré par la musique de Gilmore.
À partir de 1961, Coltrane a également commencé à jumeler Workman avec un deuxième bassiste, généralement Art Davis ou Donald Garrett. Garrett se souvient d’avoir joué une cassette pour Coltrane où « … je jouais avec un autre bassiste. Nous faisions certaines choses rythmiquement, et Coltrane a été enthousiasmé par le son. Nous avons obtenu le même genre de son que celui du tambour d’eau des Indiens de l’Est. L’une des basses reste dans le registre inférieur et joue le rôle de stabilisateur et de pulsateur, tandis que l’autre basse est libre d’improviser, comme le ferait la main droite sur le tambour. Donc Coltrane a aimé l’idée. » Coltrane s’est également souvenu : « Je pensais qu’une autre basse ajouterait ce certain son rythmique. Nous jouions beaucoup de choses avec une sorte de rythme suspendu, avec une basse jouant une série de notes autour d’un point, et il semblait qu’une autre basse pourrait remplir les espaces… » Selon Eric Dolphy, une nuit, « Wilbur Ware est arrivé et est monté sur le stand, de sorte qu’ils avaient trois basses en marche. John et moi sommes descendus du stand et avons écouté… » Coltrane employa deux basses sur les albums Olé Coltrane et Africa/Brass de 1961, et plus tard sur The John Coltrane Quartet Plays et Ascension.
Pendant cette période, les critiques étaient divisés dans leur estimation de Coltrane, qui avait radicalement modifié son style. Les publics, eux aussi, étaient perplexes ; en France, il fut hué lors de sa dernière tournée avec Davis. En 1961, le magazine Down Beat traite Coltrane et Dolphy d’acteurs de l' »anti-jazz » dans un article qui déconcerte et bouleverse les musiciens. Coltrane a admis que certains de ses premiers solos étaient basés principalement sur des idées techniques. Par ailleurs, le jeu anguleux et vocal de Dolphy lui valut une réputation de figure de proue de la « New Thing », également appelée free jazz, un mouvement dirigé par Ornette Coleman qui fut dénigré par certains musiciens de jazz (dont Davis) et critiques. Mais à mesure que le style de Coltrane se développe, il est déterminé à faire de chaque performance « une expression entière de son être ».
1962-1965 : Période Classic QuartetEdit
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En 1962, Dolphy s’en va et Jimmy Garrison remplace Workman comme bassiste. À partir de ce moment-là, le » Classic Quartet « , comme on l’appelle, avec Tyner, Garrison et Jones, produit des œuvres recherchées et spirituelles. Coltrane s’oriente vers un style plus statique sur le plan harmonique qui lui permet d’étendre ses improvisations sur le plan rythmique, mélodique et motivationnel. La musique harmoniquement complexe est toujours présente, mais sur scène, Coltrane préfère largement retravailler continuellement ses « standards » : » Impressions « , » My Favorite Things » et » I Want to Talk About You « .
La critique du quintet avec Dolphy a peut-être affecté Coltrane. Contrairement au radicalisme de ses enregistrements de 1961 au Village Vanguard, ses albums studio des deux années suivantes (à l’exception de Coltrane, 1962, qui comprend une version foudroyante de « Out of This World » de Harold Arlen) sont beaucoup plus conservateurs. Il enregistre un album de ballades et participe à des collaborations sur disque avec Duke Ellington et le chanteur Johnny Hartman, un baryton spécialisé dans les ballades. L’album Ballads (enregistré en 1961-62) est emblématique de la polyvalence de Coltrane, car le quartet jette une lumière nouvelle sur des standards démodés comme « It’s Easy to Remember ». Malgré une approche plus soignée en studio, le quartette continue, en concert, à équilibrer les « standards » et sa propre musique plus exploratoire et stimulante, comme on peut l’entendre sur Impressions (enregistré en 1961-63), Live at Birdland et Newport ’63 (tous deux enregistrés en 1963). Impressions consiste en deux jams prolongés comprenant le morceau titre ainsi que « Dear Old Stockholm », « After the Rain » et un blues. Coltrane a déclaré plus tard qu’il appréciait d’avoir un « catalogue équilibré ».
Le 6 mars 1963, le groupe entre au Van Gelder Studio dans le New Jersey et enregistre une session qui a été perdue pendant des décennies après que sa bande maîtresse ait été détruite par Impulse Records pour réduire l’espace de stockage. Le 29 juin 2018, Impulse ! a publié Both Directions at Once : The Lost Album, composé de sept titres réalisés à partir d’une copie de rechange que Coltrane avait donnée à sa femme. Le 7 mars 1963, ils ont été rejoints en studio par Hartman pour l’enregistrement de six titres pour l’album John Coltrane and Johnny Hartman, sorti en juillet de la même année.
Impulse ! a suivi la sortie réussie de « l’album perdu » avec 2019’s Blue World, composé d’une bande originale du film The Cat in the Bag de 1964, enregistrée en juin 1964.
Le Classic Quartet a produit son album le plus vendu, A Love Supreme, en décembre 1964. Aboutissement d’une grande partie du travail de Coltrane jusqu’alors, cette suite en quatre parties est une ode à sa foi en Dieu et à son amour pour lui. Ces préoccupations spirituelles caractérisent la plupart des compositions et des interprétations de Coltrane à partir de ce moment-là, comme le montrent les titres d’albums tels que Ascension, Om et Meditations. Le quatrième mouvement de A Love Supreme, « Psalm », est en fait la mise en musique d’un poème original adressé à Dieu, écrit par Coltrane et publié dans les notes de pochette de l’album. Coltrane joue presque exactement une note pour chaque syllabe du poème, et base son phrasé sur les mots. L’album a été composé au domicile de Coltrane à Dix Hills sur Long Island.
Le quatuor n’a joué A Love Supreme en concert qu’une seule fois – en juillet 1965 lors d’un concert à Antibes, en France. Un enregistrement de ce concert a été publié par Impulse ! en 2002 sur l’édition Deluxe remasterisée de A Love Supreme, et à nouveau en 2015 sur l’édition « Super Deluxe » de The Complete Masters.
1965 : Le jazz d’avant-garde et le deuxième quartetEdit
Dans sa dernière période, Coltrane a montré un intérêt pour le jazz d’avant-garde d’Ornette Coleman, Albert Ayler et Sun Ra. Il était particulièrement influencé par la dissonance du trio d’Ayler avec le bassiste Gary Peacock, qui avait travaillé avec Paul Bley, et le batteur Sunny Murray, dont le jeu avait été affiné avec Cecil Taylor comme leader. Coltrane s’est fait le champion de nombreux jeunes musiciens de free jazz, comme Archie Shepp, et sous son influence, Impulse ! est devenu un label de free jazz de premier plan.
Après l’enregistrement de A Love Supreme, le style d’Ayler est devenu plus important dans la musique de Coltrane. Une série d’enregistrements avec le Classic Quartet dans la première moitié de 1965 montre que le jeu de Coltrane devient abstrait, avec une plus grande incorporation de dispositifs comme les multiphoniques, l’utilisation d’harmoniques et le jeu dans le registre altissimo, ainsi qu’un retour mutant des feuilles de son de Coltrane. En studio, il abandonne presque totalement le saxophone soprano pour se concentrer sur le ténor. Le quartet répond en jouant avec une liberté croissante. L’évolution du groupe peut être retracée à travers les albums The John Coltrane Quartet Plays, Living Space, Transition, New Thing at Newport, Sun Ship et First Meditations.
En juin 1965, il entre dans le studio de Van Gelder avec dix autres musiciens (dont Shepp, Pharoah Sanders, Freddie Hubbard, Marion Brown et John Tchicai) pour enregistrer Ascension, une pièce de 38 minutes qui comprend des solos de jeunes musiciens d’avant-garde. L’album a été controversé principalement pour les sections d’improvisation collective qui séparaient les solos. Après avoir enregistré avec le quartet au cours des mois suivants, Coltrane invite Sanders à rejoindre le groupe en septembre 1965. Alors que Coltrane utilisait fréquemment l’overblowing comme point d’exclamation émotionnel, Sanders « était impliqué dans la recherche de sons « humains » sur son instrument », employant « un ton qui soufflait comme un chalumeau » et élargissant radicalement le vocabulaire de son cor en utilisant des multiphoniques, des grondements et « des cris aigus qui pouvaient imiter non seulement le chant humain mais aussi le cri et le hurlement humain ». Concernant la décision de Coltrane d’ajouter Sanders au groupe, Gary Giddins a écrit « Ceux qui avaient suivi Coltrane jusqu’au bord de la galaxie avaient maintenant le défi supplémentaire d’un joueur qui semblait avoir peu de contact avec la terre. »
1965-1967 : Adding to the quartetEdit
À la fin de 1965, Coltrane augmentait régulièrement son groupe avec Sanders et d’autres musiciens de free jazz. Rashied Ali a rejoint le groupe en tant que second batteur. C’est la fin du quartet. Prétextant ne pas pouvoir s’entendre avec les deux batteurs, Tyner quitte le groupe peu après l’enregistrement de Meditations. Jones part au début de l’année 1966, mécontent de partager les fonctions de batteur avec Ali et déclarant, à propos de la dernière musique de Coltrane, que « seuls les poètes peuvent la comprendre ». Dans des interviews, Tyner et Jones ont tous deux exprimé leur mécontentement quant à l’orientation de la musique ; cependant, ils incorporeront une partie de l’intensité du free jazz dans leur travail solo. Plus tard, les deux musiciens ont exprimé un immense respect pour Coltrane : à propos de sa musique tardive, Jones a déclaré : « Bien sûr, c’est très loin, parce que c’est un esprit énorme qui est impliqué, vous savez. Vous ne vous attendriez pas à ce qu’Einstein joue des osselets, n’est-ce pas ? » Tyner se souvient : « Il allait constamment de l’avant. Il ne se reposait jamais sur ses lauriers, il était toujours à la recherche de la suite… il cherchait toujours, comme un scientifique dans un laboratoire, à trouver quelque chose de nouveau, une direction différente…. Il continuait à entendre ces sons dans sa tête… » Jones et Tyner ont tous deux enregistré des hommages à Coltrane, Tyner avec Echoes of a Friend (1972) et Blues for Coltrane : A Tribute to John Coltrane (1987), et Jones avec Live in Japan 1978 : Dear John C. (1978) et Tribute to John Coltrane « A Love Supreme » (1994).
On spécule qu’en 1965 Coltrane a commencé à utiliser du LSD, informant la transcendance « cosmique » de sa dernière période. Nat Hentoff a écrit : « c’est comme si lui et Sanders parlaient avec « le don des langues » – comme si leurs intuitions étaient d’une force si irrésistible qu’ils devaient transcender les moyens ordinaires de la parole musicale et les textures ordinaires pour pouvoir transmettre cette partie de l’essence de l’être qu’ils ont touchée. » Après le départ de Tyner et Jones, Coltrane dirigea un quintet avec Sanders au saxophone ténor, sa seconde femme Alice Coltrane au piano, Garrison à la basse et Ali à la batterie. En tournée, le groupe était connu pour jouer de longues versions de son répertoire, dont beaucoup s’étendaient sur plus de 30 minutes, voire une heure. En concert, les solos des membres du groupe dépassaient souvent les quinze minutes.
On peut entendre le groupe sur plusieurs enregistrements de concerts de 1966, notamment Live at the Village Vanguard Again ! et Live in Japan. En 1967, Coltrane entre en studio à plusieurs reprises. Bien que des morceaux avec Sanders soient apparus (l’inhabituel « To Be » met les deux hommes à la flûte), la plupart des enregistrements ont été réalisés soit avec le quartet sans Sanders (Expression et Stellar Regions), soit en duo avec Ali. Ce dernier duo a produit six performances qui figurent sur l’album Interstellar Space.
1967 : Décès
Coltrane meurt d’un cancer du foie à l’âge de 40 ans, le 17 juillet 1967, à l’hôpital Huntington de Long Island. Ses funérailles ont eu lieu quatre jours plus tard à l’église luthérienne de St. Peter à New York. Le service a été commencé par l’Albert Ayler Quartet et terminé par l’Ornette Coleman Quartet. Coltrane est enterré au cimetière Pinelawn à Farmingdale, dans l’État de New York.
Le biographe Lewis Porter a émis l’hypothèse que la cause de la maladie de Coltrane était une hépatite, bien qu’il ait également attribué la maladie à la consommation d’héroïne de Coltrane à une période antérieure de sa vie. Frederick J. Spencer a écrit que la mort de Coltrane pouvait être attribuée à sa consommation d’aiguilles « ou à la bouteille, ou aux deux ». Il a déclaré que « les aiguilles qu’il utilisait pour s’injecter la drogue peuvent avoir tout à voir avec » la maladie du foie de Coltrane : « Si une aiguille a été contaminée par le virus de l’hépatite approprié, cela peut avoir causé une infection chronique menant à une cirrhose ou à un cancer. » Il note que malgré le « réveil spirituel » de Coltrane en 1957, « il est possible qu’il ait eu une hépatite chronique et une cirrhose… À moins qu’il ait développé un foyer primaire ailleurs dans sa vie ultérieure et que cela se soit propagé à son foie, les graines du cancer de John Coltrane ont été semées dans ses jours de dépendance. »
La mort de Coltrane a surpris de nombreux membres de la communauté musicale qui n’étaient pas au courant de son état. Miles Davis a déclaré : « La mort de Coltrane a choqué tout le monde, a pris tout le monde par surprise. Je savais qu’il n’avait pas très bonne mine… Mais je ne savais pas qu’il était aussi malade – ou même malade tout court. »