Le minimalisme en art visuel, généralement appelé « art minimal », « art littéraliste » et « ABC Art » est apparu à New York au début des années 1960, alors que de nouveaux artistes et des artistes plus anciens s’orientaient vers l’abstraction géométrique ; explorant via la peinture dans les cas de Nassos Daphnis, Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman et d’autres ; et la sculpture dans les œuvres de divers artistes dont David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd et d’autres. La sculpture de Judd a été présentée en 1964 à la Green Gallery de Manhattan, tout comme les premières œuvres à lumière fluorescente de Flavin, tandis que d’autres grandes galeries de Manhattan comme la Leo Castelli Gallery et la Pace Gallery ont également commencé à présenter des artistes axés sur l’abstraction géométrique. En outre, deux expositions muséales déterminantes et influentes sont organisées : Primary Structures : Younger American and British Sculpture, présentée du 27 avril au 12 juin 1966 au Jewish Museum de New York, organisée par le conservateur de la peinture et de la sculpture du musée, Kynaston McShine, et Systemic Painting, au Solomon R. Guggenheim Museum, organisée par Lawrence Alloway, également en 1966, qui présente l’abstraction géométrique dans le monde de l’art américain via Shaped canvas, Color Field et Hard-edge painting. Dans le sillage de ces expositions et de quelques autres, le mouvement artistique appelé art minimal a émergé.
Dans un sens plus large et général, on trouve les racines européennes du minimalisme dans les abstractions géométriques des peintres associés au Bauhaus, dans les œuvres de Kazimir Malevich, Piet Mondrian et d’autres artistes associés au mouvement De Stijl, et au mouvement constructiviste russe, ainsi que dans le travail du sculpteur roumain Constantin Brâncuși.
En France entre 1947 et 1948, Yves Klein conçoit sa Symphonie monotone (1949, officiellement La Symphonie Monotone-Silence) qui consistait en un seul accord soutenu de 20 minutes suivi d’un silence de 20 minutes – un précédent à la fois à la musique de bourdon de La Monte Young et aux 4′33″ de John Cage. Klein avait peint des monochromes dès 1949, et a tenu la première exposition privée de cette œuvre en 1950-mais sa première exposition publique a été la publication du livre de l’Artiste Yves : Peintures en novembre 1954.
L’art minimal s’inspire aussi en partie des peintures de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, et des œuvres d’artistes aussi divers que Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi, et d’autres. Le minimalisme était également une réaction contre la subjectivité picturale de l’expressionnisme abstrait qui avait été dominante dans l’école de New York au cours des années 1940 et 1950.
L’artiste et critique Thomas Lawson a noté dans son essai Last Exit de 1981 dans Artforum : Painting, le minimalisme n’a pas tant rejeté les affirmations de Clement Greenberg sur la réduction de la peinture moderniste à la surface et aux matériaux que pris ses affirmations au pied de la lettre. Selon Lawson, le minimalisme en était le résultat, même si le terme « minimalisme » n’était pas généralement adopté par les artistes qui y étaient associés, et que de nombreux praticiens de l’art qualifiés de minimalistes par les critiques ne l’identifiaient pas comme un mouvement en tant que tel. Clement Greenberg lui-même s’est également insurgé contre cette affirmation ; dans son post-scriptum de 1978 à son essai Modernist Painting, il a désavoué cette interprétation de ses propos, écrivant:
Il y a eu d’autres constructions de ce que j’ai écrit qui vont jusqu’au grotesque : Que je considère la planéité et l’inclinaison de la planéité non seulement comme les conditions limites de l’art pictural, mais aussi comme des critères de qualité esthétique dans l’art pictural ; que plus une œuvre fait avancer l’autodéfinition d’un art, plus cette œuvre est forcément meilleure. Le philosophe ou l’historien de l’art qui peut m’imaginer – ou n’importe qui d’autre – arriver à des jugements esthétiques de cette manière, lit scandaleusement plus en lui-même que dans mon article.
Contrairement aux expressionnistes abstraits de la décennie précédente, plus subjectifs, à l’exception de Barnett Newman et d’Ad Reinhardt ; les minimalistes étaient également influencés par les compositeurs John Cage et LaMonte Young, le poète William Carlos Williams et l’architecte paysagiste Frederick Law Olmsted. Ils ont déclaré très explicitement que leur art n’avait rien à voir avec l’expression personnelle et que, contrairement à la philosophie plus subjective de la décennie précédente sur la création artistique, le leur était « objectif ». En général, les caractéristiques du minimalisme comprenaient des formes géométriques, souvent cubiques, purgées de beaucoup de métaphores, l’égalité des parties, la répétition, des surfaces neutres et des matériaux industriels.
Robert Morris, un théoricien et artiste, a écrit un essai en trois parties, « Notes on Sculpture 1-3 », publié à l’origine à travers trois numéros d’Artforum en 1966. Dans ces essais, Morris a tenté de définir un cadre conceptuel et des éléments formels pour lui-même, qui engloberaient les pratiques de ses contemporains. Ces essais accordent une grande attention à l’idée de gestalt – « des parties… liées entre elles de telle manière qu’elles créent une résistance maximale à la séparation perceptive. » Morris a décrit plus tard un art représenté par un « étalement latéral marqué et aucune unité régularisée ou intervalle symétrique… » dans « Notes on Sculpture 4 : Beyond Objects », publié à l’origine dans Artforum, 1969, poursuivant en disant que « l’indétermination de l’arrangement des parties est un aspect littéral de l’existence physique de la chose. » Le changement général de théorie dont cet essai est l’expression suggère la transition vers ce que l’on appellera plus tard le postminimalisme.
L’un des premiers artistes spécifiquement associés au minimalisme est le peintre Frank Stella, dont quatre des premières « peintures noires » ont été incluses dans l’exposition de 1959, 16 Americans, organisée par Dorothy Miller au Museum of Modern Art de New York. La largeur des rayures dans les peintures noires de Frank Stella était souvent déterminée par les dimensions du bois qu’il utilisait comme châssis pour soutenir la toile, visible contre la toile comme la profondeur de la peinture vue de côté. Les décisions de Stella concernant les structures de la surface frontale de la toile n’étaient donc pas entièrement subjectives, mais préconditionnées par une caractéristique « donnée » de la construction physique du support. Dans le catalogue de l’exposition, Carl Andre note : » L’art exclut le superflu. Frank Stella a jugé nécessaire de peindre des rayures. Il n’y a rien d’autre dans sa peinture ». Ces œuvres réductrices contrastaient fortement avec les peintures pleines d’énergie et apparemment très subjectives et chargées d’émotion de Willem de Kooning ou de Franz Kline et, en termes de précédent parmi la génération précédente d’expressionnistes abstraits, elles penchaient davantage vers les peintures de champs colorés moins gestuelles, souvent sombres, de Barnett Newman et Mark Rothko. Stella a reçu l’attention immédiate de l’exposition du MoMA, mais d’autres artistes – dont Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell et Robert Ryman – avaient également commencé à explorer les rayures, les monochromes et les formats Hard-edge de la fin des années 50 jusqu’aux années 60.
En raison d’une tendance de l’art minimal à exclure le pictural, l’illusionniste et le fictif en faveur du littéral, il y eut un mouvement d’éloignement des préoccupations picturales et de sculpture. Donald Judd a commencé comme peintre et a fini comme créateur d’objets. Son essai fondateur, « Specific Objects » (publié dans Arts Yearbook 8, 1965), a été une pierre de touche théorique pour la formation de l’esthétique minimaliste. Dans cet essai, Judd a trouvé un point de départ pour un nouveau territoire pour l’art américain, et un rejet simultané des valeurs artistiques européennes résiduelles héritées. Il a mis en évidence les preuves de ce développement dans les œuvres d’une série d’artistes actifs à New York à l’époque, notamment Jasper Johns, Dan Flavin et Lee Bontecou. Pour Judd, le travail de George Earl Ortman, qui a concrétisé et distillé les formes de la peinture en des géométries émoussées, dures et philosophiquement chargées, revêt une importance « préliminaire ». Ces objets spécifiques habitaient un espace qu’il n’était pas facile de classer dans la catégorie de la peinture ou de la sculpture. Le fait que l’identité catégorique de ces objets était elle-même en question, et qu’ils évitaient l’association facile avec des conventions bien usées et trop familières, faisait partie de leur valeur pour Judd.
Ce mouvement a été critiqué par les critiques d’art et les historiens formalistes modernistes. Certains critiques pensaient que l’art minimal représentait une incompréhension de la dialectique moderne de la peinture et de la sculpture telle que définie par le critique Clement Greenberg, sans doute le critique américain dominant de la peinture dans la période précédant les années 1960. La critique la plus notable du minimalisme a été produite par Michael Fried, un critique formaliste, qui s’est opposé à l’œuvre en raison de sa « théâtralité ». Dans Art and Objecthood (publié dans Artforum en juin 1967), il a déclaré que l’œuvre d’art minimale, en particulier la sculpture minimale, était fondée sur un engagement avec la physicalité du spectateur. Il affirmait que des œuvres comme celles de Robert Morris transformaient l’acte de regarder en un type de spectacle, dans lequel l’artifice de l’observation et la participation du spectateur à l’œuvre étaient dévoilés. Fried considérait ce déplacement de l’expérience du spectateur d’un engagement esthétique à l’intérieur de l’œuvre à un événement extérieur à celle-ci comme un échec de l’art minimal. L’essai de Fried a été immédiatement contesté par l’artiste postminimaliste et terrien Robert Smithson dans une lettre à l’éditeur du numéro d’octobre d’Artforum. Smithson a déclaré ce qui suit : « Ce que Fried craint le plus, c’est la conscience de ce qu’il fait – à savoir être lui-même théâtral. »
En plus des Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman et Donald Judd déjà mentionnés, d’autres artistes minimaux comprennent : Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Mino Argento, Agnes Martin, Jo Baer, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson et Anne Truitt.
Ad Reinhardt, en réalité un artiste de la génération des expressionnistes abstraits, mais dont les peintures réductrices presque entièrement noires semblaient anticiper le minimalisme, avait ceci à dire sur la valeur d’une approche réductrice de l’art :
Plus il y a de choses dedans, plus l’œuvre d’art est chargée, plus elle est mauvaise. Plus, c’est moins. Moins, c’est plus. L’œil est une menace pour la vue claire. La mise à nu de soi est obscène. L’art commence par se débarrasser de la nature.
La remarque de Reinhardt s’adresse directement à Hans Hofmann et contredit son regard sur la nature comme source de ses propres peintures expressionnistes abstraites. Dans un échange célèbre entre Hofmann et Jackson Pollock, tel que raconté par Lee Krasner dans une interview avec Dorothy Strickler (1964-11-02) pour les Smithsonian Institution Archives of American Art. Dans les mots de Krasner:
Lorsque j’ai amené Hofmann pour rencontrer Pollock et voir son travail, ce qui était avant que nous nous installions ici, la réaction d’Hofmann a été – l’une des questions qu’il a posées à Jackson était : « Travaillez-vous d’après nature ? » Il n’y avait pas de natures mortes ou de modèles autour de lui et la réponse de Jackson a été : « Je suis la nature. » Et la réponse d’Hofmann a été : « Ah, mais si vous travaillez par cœur, vous allez vous répéter. » Ce à quoi Jackson n’a pas répondu du tout. La rencontre entre Pollock et Hofmann a eu lieu en 1942.
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