1926-1954: Prima vita e carrieraModifica
Coltrane è nato nell’appartamento dei suoi genitori al 200 di Hamlet Avenue a Hamlet, nel North Carolina, il 23 settembre 1926. Suo padre era John R. Coltrane e sua madre Alice Blair. Cresce a High Point, North Carolina e frequenta la William Penn High School. A partire dal dicembre 1938, suo padre, sua zia e i suoi nonni morirono a pochi mesi di distanza l’uno dall’altro, lasciandolo ad essere cresciuto da sua madre e da un cugino stretto. Nel giugno 1943, si trasferì a Filadelfia. A settembre, sua madre gli comprò il suo primo sassofono, un contralto. Suonò il clarinetto e il corno contralto in una banda comunitaria prima di iniziare a suonare il sassofono contralto al liceo. Dall’inizio alla metà del 1945 ebbe il suo primo lavoro professionale: un “cocktail lounge trio” con pianoforte e chitarra.
Per evitare di essere arruolato dall’esercito, Coltrane si arruolò in Marina il 6 agosto 1945, il giorno in cui la prima bomba atomica americana fu sganciata sul Giappone. Fu addestrato come apprendista marinaio alla Sampson Naval Training Station nello stato di New York, prima di essere spedito a Pearl Harbor, dove fu di stanza alla Manana Barracks, il più grande distaccamento di militari afro-americani al mondo. Quando arrivò alle Hawaii, verso la fine del 1945, la Marina stava riducendo le sue risorse. Il talento musicale di Coltrane fu riconosciuto, e divenne uno dei pochi uomini della Marina a servire come musicista senza aver ottenuto la qualifica di musicista quando si unì ai Melody Masters, la swing band della base. Poiché i Melody Masters erano una band di soli bianchi, tuttavia, Coltrane fu trattato semplicemente come un ospite per evitare di avvisare gli ufficiali superiori della sua partecipazione alla band. Continuò a svolgere altri compiti quando non suonava con la band, compresi i dettagli di cucina e di sicurezza. Alla fine del suo servizio, aveva assunto un ruolo di leadership nella banda. Le sue prime registrazioni, una sessione informale alle Hawaii con musicisti della Marina, avvennero il 13 luglio 1946. Suonò il sassofono contralto su una selezione di standard jazz e brani bebop. Fu ufficialmente congedato dalla Marina l’8 agosto 1946. Gli fu assegnata la Medaglia della Campagna Asiatico-Pacifica, la Medaglia della Campagna Americana e la Medaglia della Vittoria della Seconda Guerra Mondiale.
Dopo essere stato congedato dalla Marina come marinaio di prima classe nell’agosto 1946, Coltrane tornò a Philadelphia, dove “si immerse nell’inebriante eccitazione della nuova musica e nella fiorente scena bebop”. Dopo un tour con King Kolax, si unì a una band guidata da Jimmy Heath, che fu introdotto al modo di suonare di Coltrane dal suo ex compagno di Marina, il trombettista William Massey, che aveva suonato con Coltrane nei Melody Masters. Studiò la teoria del jazz con il chitarrista e compositore Dennis Sandole e continuò sotto la tutela di Sandole fino ai primi anni ’50. Anche se iniziò con il sassofono contralto, iniziò a suonare il sassofono tenore nel 1947 con Eddie Vinson.
Coltrane definì questo un periodo in cui “si aprì per me un’area di ascolto più ampia. C’erano molte cose che gente come Hawk, e Ben e Tab Smith stavano facendo negli anni ’40 che non capivo, ma che sentivo emotivamente”. Un’influenza significativa, secondo il sassofonista tenore Odean Pope, fu il pianista, compositore e teorico di Philadelphia Hasaan Ibn Ali. “Hasaan era l’indizio per… il sistema che Trane usa. Hasaan fu la grande influenza sul concetto melodico di Trane”. Coltrane divenne fanatico nel praticare e sviluppare il suo mestiere, esercitandosi “25 ore al giorno” secondo Jimmy Heath. Heath ricorda un incidente in un hotel di San Francisco quando, dopo un reclamo, Coltrane si tolse il corno dalla bocca e si esercitò con la diteggiatura per un’ora intera. Tale era la sua dedizione che gli capitava spesso di addormentarsi con il corno ancora in bocca o di esercitarsi su una singola nota per ore e ore.
Un momento importante nella progressione dello sviluppo musicale di Coltrane avvenne il 5 giugno 1945, quando vide Charlie Parker esibirsi per la prima volta. In un articolo della rivista DownBeat nel 1960 ricordava: “la prima volta che ho sentito suonare Bird, mi ha colpito proprio in mezzo agli occhi”. Parker divenne un idolo, e suonarono insieme occasionalmente alla fine degli anni ’40. Fu membro di gruppi guidati da Dizzy Gillespie, Earl Bostic e Johnny Hodges nei primi anni ’50.
1955-1957: Periodo Miles e Monk
Nel 1955, Coltrane stava lavorando come freelance a Philadelphia mentre studiava con il chitarrista Dennis Sandole quando ricevette una chiamata dal trombettista Miles Davis. Davis aveva avuto successo negli anni ’40, ma la sua reputazione e il suo lavoro erano stati danneggiati in parte dalla dipendenza dall’eroina; era di nuovo attivo e stava per formare un quintetto. Coltrane fu con questa edizione della band di Davis (conosciuta come il “First Great Quintet” – insieme a Red Garland al piano, Paul Chambers al basso e Philly Joe Jones alla batteria) dall’ottobre 1955 all’aprile 1957 (con alcune assenze). Durante questo periodo Davis pubblicò diverse registrazioni influenti che rivelarono i primi segni della crescente abilità di Coltrane. Questo quintetto, rappresentato da due maratone di registrazione per la Prestige nel 1956, portò agli album Cookin’, Relaxin’, Workin’ e Steamin’. Il “First Great Quintet” si sciolse in parte a causa della dipendenza da eroina di Coltrane.
Durante l’ultima parte del 1957 Coltrane lavorò con Thelonious Monk al Five Spot Café di New York, e suonò nel quartetto di Monk (luglio-dicembre 1957), ma, a causa di conflitti contrattuali, prese parte ad una sola sessione ufficiale di registrazione in studio con questo gruppo. Coltrane registrò molti album per la Prestige con il suo nome in questo periodo, ma Monk si rifiutò di registrare per la sua vecchia etichetta. Una registrazione privata fatta da Juanita Naima Coltrane di una riunione del gruppo nel 1958 fu pubblicata dalla Blue Note Records come Live at the Five Spot-Discovery! nel 1993. Un nastro di alta qualità di un concerto dato da questo quartetto nel novembre 1957 fu anche trovato più tardi, e fu pubblicato dalla Blue Note nel 2005. Registrato da Voice of America, le performance confermano la reputazione del gruppo, e l’album che ne risulta, Thelonious Monk Quartet with John Coltrane at Carnegie Hall, è ampiamente acclamato.
Blue Train, l’unica data di Coltrane come leader per la Blue Note, con il trombettista Lee Morgan, il bassista Paul Chambers e il trombonista Curtis Fuller, è spesso considerato il suo miglior album di questo periodo. Quattro dei suoi cinque brani sono composizioni originali di Coltrane, e la title track, “Moment’s Notice”, e “Lazy Bird”, sono diventati standard. Entrambi i brani impiegarono i primi esempi dei suoi cicli di sostituzione degli accordi conosciuti come Coltrane changes.
1958: Davis e ColtraneModifica
Coltrane si riunì a Davis nel gennaio 1958. Nell’ottobre di quell’anno, il critico jazz Ira Gitler coniò il termine “fogli di suono” per descrivere lo stile che Coltrane aveva sviluppato con Monk e che stava perfezionando nel gruppo di Davis, ora un sestetto. Il suo modo di suonare era compresso, con rapidi passaggi a cascata di centinaia di note al minuto. Coltrane ha ricordato: “Ho scoperto che c’era un certo numero di progressioni di accordi da suonare in un dato tempo, e a volte quello che suonavo non funzionava in ottavi, sedicesimi o terzine. Dovevo mettere le note in gruppi irregolari come cinque e sette per farle entrare tutte”.
Coltrane rimase con Davis fino all’aprile del 1960, lavorando con il sassofonista alto Cannonball Adderley; i pianisti Red Garland, Bill Evans e Wynton Kelly; il bassista Paul Chambers e i batteristi Philly Joe Jones e Jimmy Cobb. Durante questo periodo partecipò alle sessioni di Davis Milestones e Kind of Blue, e alle registrazioni dei concerti Miles & Monk at Newport (1963) e Jazz at the Plaza (1958).
1959-1961: Periodo con la Atlantic RecordsModifica
Alla fine di questo periodo Coltrane registrò Giant Steps (1959), il suo primo album come leader per la Atlantic che conteneva solo sue composizioni. La title track dell’album è generalmente considerata una delle progressioni di accordi più difficili di qualsiasi composizione jazz ampiamente suonata. I suoi cicli di progressioni di accordi alterati divennero noti come Coltrane changes. Il suo sviluppo di questi cicli portò a ulteriori sperimentazioni con la melodia e l’armonia improvvisate che continuarono per tutta la sua carriera.
Coltrane formò il suo primo quartetto per esibizioni dal vivo nel 1960 per un’apparizione alla Jazz Gallery di New York City. Dopo essersi mosso attraverso diversi organici, tra cui Steve Kuhn, Pete La Roca e Billy Higgins, mantenne il pianista McCoy Tyner, il bassista Steve Davis e il batterista Elvin Jones. Tyner, un nativo di Philadelphia, era stato amico di Coltrane per alcuni anni, e i due uomini avevano un accordo che Tyner si sarebbe unito alla band quando si fosse sentito pronto. My Favorite Things (1961) fu il primo album registrato da questo gruppo. Fu il primo album di Coltrane al sassofono soprano, che iniziò a praticare mentre era con Miles Davis. Fu considerata una mossa non convenzionale perché lo strumento non era così popolare nel jazz come altri tipi di sassofono.
1961-1962: Primi anni con la Impulse RecordsModifica
Nel maggio 1961, il contratto di Coltrane con la Atlantic fu acquistato dalla Impulse! Il passaggio alla Impulse! significa che Coltrane riprende il suo rapporto di registrazione con l’ingegnere Rudy Van Gelder, che aveva registrato le sue sessioni e quelle di Davis per la Prestige. Registrò la maggior parte dei suoi album per Impulse! nello studio di Van Gelder a Englewood Cliffs, New Jersey.
All’inizio del 1961, il bassista Davis era stato sostituito da Reggie Workman, mentre Eric Dolphy si unì al gruppo come secondo corno. Il quintetto ebbe una residenza celebrata e ampiamente registrata al Village Vanguard, che dimostrò la nuova direzione di Coltrane. Includeva la musica più sperimentale che aveva suonato, influenzata dai ragas indiani, dal jazz modale e dal free jazz. John Gilmore, un sassofonista di lunga data con il musicista Sun Ra, fu particolarmente influente; dopo aver ascoltato una performance di Gilmore, si dice che Coltrane abbia detto: “Ha capito! Gilmore ha il concetto!” Il più celebre dei brani dell’Avanguardia, il blues di 15 minuti “Chasin’ the ‘Trane”, fu fortemente ispirato dalla musica di Gilmore.
A partire dal 1961, Coltrane iniziò anche ad accoppiare Workman con un secondo bassista, solitamente Art Davis o Donald Garrett. Garrett ha ricordato di aver suonato un nastro per Coltrane dove “…stavo suonando con un altro bassista. Stavamo facendo alcune cose ritmicamente, e Coltrane si entusiasmò per il suono. Abbiamo ottenuto lo stesso tipo di suono che si ottiene dal tamburo ad acqua degli indiani orientali. Un basso rimane nel registro più basso ed è la cosa stabilizzante e pulsante, mentre l’altro basso è libero di improvvisare, come lo sarebbe la mano destra sul tamburo. Quindi a Coltrane piaceva l’idea”. Coltrane ha anche ricordato: “Pensai che un altro basso avrebbe aggiunto quel certo suono ritmico. Suonavamo molta roba con una specie di ritmo sospeso, con un basso che suonava una serie di note intorno a un punto, e sembrava che un altro basso potesse riempire gli spazi…” Secondo Eric Dolphy, una sera “Wilbur Ware entrò e salì sul leggio, così avevano tre bassi in funzione. Io e John ci alzammo dallo stand e ascoltammo…”. Coltrane impiegò due bassi negli album del 1961 Olé Coltrane e Africa/Brass, e più tardi in The John Coltrane Quartet Plays e Ascension.
Durante questo periodo, la critica era divisa nella stima di Coltrane, che aveva radicalmente cambiato il suo stile. Anche il pubblico era perplesso; in Francia fu fischiato durante il suo ultimo tour con Davis. Nel 1961, la rivista Down Beat chiamò Coltrane e Dolphy suonatori di “anti-jazz” in un articolo che sconcertò e turbò i musicisti. Coltrane ammise che alcuni dei suoi primi assoli erano basati principalmente su idee tecniche. Inoltre, il modo di suonare spigoloso e vocale di Dolphy gli valse la reputazione di essere un esponente della “New Thing”, conosciuta anche come free jazz, un movimento guidato da Ornette Coleman che fu denigrato da alcuni musicisti jazz (incluso Davis) e critici. Ma mentre lo stile di Coltrane si sviluppava, egli era determinato a fare di ogni performance “un’intera espressione del proprio essere”.
1962-1965: Classic Quartet periodEdit
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Nel 1962, Dolphy se ne andò e Jimmy Garrison sostituì Workman come bassista. Da quel momento in poi, il “Classic Quartet”, come venne chiamato, con Tyner, Garrison e Jones, produsse un lavoro di ricerca, spiritualmente guidato. Coltrane si stava muovendo verso uno stile più armonicamente statico che gli permetteva di espandere le sue improvvisazioni ritmicamente, melodicamente e motivicamente. La musica armonicamente complessa era ancora presente, ma sul palcoscenico Coltrane favoriva pesantemente la continua rielaborazione dei suoi “standard”: “Impressions”, “My Favorite Things” e “I Want to Talk About You”.
Le critiche del quintetto con Dolphy possono aver influenzato Coltrane. In contrasto con il radicalismo delle sue registrazioni del 1961 al Village Vanguard, i suoi album in studio nei due anni successivi (con l’eccezione di Coltrane, 1962, che presentava una versione esplosiva di “Out of This World” di Harold Arlen) furono molto più conservatori. Registrò un album di ballate e partecipò a collaborazioni con Duke Ellington e il cantante Johnny Hartman, un baritono specializzato in ballate. L’album Ballads (registrato nel 1961-62) è emblematico della versatilità di Coltrane, poiché il quartetto gettò nuova luce su standard di vecchia data come “It’s Easy to Remember”. Nonostante un approccio più raffinato in studio, in concerto il quartetto continuò a bilanciare gli “standard” e la sua musica più esplorativa e stimolante, come si può ascoltare su Impressions (registrato nel 1961-63), Live at Birdland e Newport ’63 (entrambi registrati nel 1963). Impressions consiste in due jam estese che includono la title track insieme a “Dear Old Stockholm”, “After the Rain” e un blues. Coltrane disse in seguito che gli piaceva avere un “catalogo equilibrato”
Il 6 marzo 1963, il gruppo entrò nel Van Gelder Studio nel New Jersey e registrò una sessione che fu persa per decenni dopo che il suo nastro master fu distrutto dalla Impulse Records per ridurre lo spazio di archiviazione. Il 29 giugno 2018, la Impulse! ha pubblicato Both Directions at Once: The Lost Album, composto da sette tracce ricavate da una copia di riserva che Coltrane aveva dato a sua moglie. Il 7 marzo 1963, furono raggiunti in studio da Hartman per la registrazione di sei brani per l’album John Coltrane and Johnny Hartman, pubblicato quel luglio.
Impulse! seguì la pubblicazione del fortunato “lost album” con 2019’s Blue World, composto da una colonna sonora del 1964 del film The Cat in the Bag, registrato nel giugno 1964.
Il Classic Quartet produsse il suo album più venduto, A Love Supreme, nel dicembre 1964. Culmine di gran parte del lavoro di Coltrane fino a quel momento, questa suite in quattro parti è un’ode alla sua fede e al suo amore per Dio. Queste preoccupazioni spirituali caratterizzarono gran parte della composizione e del modo di suonare di Coltrane da questo punto in poi, come si può vedere dai titoli degli album come Ascension, Om e Meditations. Il quarto movimento di A Love Supreme, “Psalm”, è, infatti, un’impostazione musicale per una poesia originale a Dio scritta da Coltrane, e stampata nelle note di copertina dell’album. Coltrane suona quasi esattamente una nota per ogni sillaba della poesia, e basa il suo fraseggio sulle parole. L’album fu composto nella casa di Coltrane a Dix Hills, Long Island.
Il quartetto suonò A Love Supreme dal vivo solo una volta – nel luglio 1965 in un concerto ad Antibes, Francia. Una registrazione di questo concerto è stata pubblicata da Impulse! nel 2002 nella Deluxe Edition rimasterizzata di A Love Supreme, e di nuovo nel 2015 nella “Super Deluxe Edition” di The Complete Masters.
1965: Il jazz d’avanguardia e il secondo quartettoModifica
Nel suo ultimo periodo, Coltrane mostrò interesse per il jazz d’avanguardia di Ornette Coleman, Albert Ayler e Sun Ra. Fu particolarmente influenzato dalla dissonanza del trio di Ayler con il bassista Gary Peacock, che aveva lavorato con Paul Bley, e il batterista Sunny Murray, il cui modo di suonare si era affinato con Cecil Taylor come leader. Coltrane sostenne molti giovani musicisti free jazz come Archie Shepp, e sotto la sua influenza la Impulse! divenne una delle principali etichette free jazz.
Dopo la registrazione di A Love Supreme, lo stile di Ayler divenne più prominente nella musica di Coltrane. Una serie di registrazioni con il Classic Quartet nella prima metà del 1965 mostra il modo di suonare di Coltrane diventare astratto, con una maggiore incorporazione di dispositivi come i multifonici, l’uso degli overtones e il suonare nel registro altissimo, così come un ritorno mutato dei fogli di suono di Coltrane. In studio, abbandonò quasi del tutto il sassofono soprano per concentrarsi sul tenore. Il quartetto rispose suonando con sempre maggiore libertà. L’evoluzione del gruppo può essere tracciata attraverso gli album The John Coltrane Quartet Plays, Living Space, Transition, New Thing at Newport, Sun Ship e First Meditations.
Nel giugno 1965, entrò nello studio di Van Gelder con altri dieci musicisti (tra cui Shepp, Pharoah Sanders, Freddie Hubbard, Marion Brown e John Tchicai) per registrare Ascension, un pezzo di 38 minuti che includeva assoli di giovani musicisti d’avanguardia. L’album fu controverso soprattutto per le sezioni di improvvisazione collettiva che separavano gli assoli. Dopo aver registrato con il quartetto nei mesi successivi, Coltrane invitò Sanders a unirsi alla band nel settembre 1965. Mentre Coltrane usava frequentemente l’overblowing come punto esclamativo emotivo, Sanders “era coinvolto nella ricerca di suoni ‘umani’ sul suo strumento”, impiegando “un tono che esplodeva come una fiamma ossidrica” ed espandendo drasticamente il vocabolario del suo corno impiegando multiphonics, ringhi e “strilli di registro alto che potevano imitare non solo il canto umano ma anche il grido e l’urlo umano”. Riguardo alla decisione di Coltrane di aggiungere Sanders al gruppo, Gary Giddins scrisse: “Coloro che avevano seguito Coltrane fino ai confini della galassia ora avevano la sfida aggiunta di un suonatore che sembrava avere pochi contatti con la terra.”
1965-1967: Aggiunta al quartettoModifica
Dalla fine del 1965, Coltrane arricchiva regolarmente il suo gruppo con Sanders e altri musicisti free jazz. Rashied Ali si unì al gruppo come secondo batterista. Questa fu la fine del quartetto. Affermando che non riusciva a sentirsi sopra i due batteristi, Tyner lasciò il gruppo poco dopo la registrazione di Meditations. Jones lasciò all’inizio del 1966, insoddisfatto dal dividere i compiti di batteria con Ali e affermando che, riguardo all’ultima musica di Coltrane, “solo i poeti possono capirla”. Nelle interviste, Tyner e Jones espressero entrambi il loro disappunto per la direzione della musica; tuttavia, avrebbero incorporato un po’ dell’intensità del free jazz nel loro lavoro solista. In seguito, entrambi i musicisti espressero un enorme rispetto per Coltrane: riguardo alla sua musica tardiva, Jones dichiarò: “Beh, naturalmente è molto lontano, perché si tratta di una mente straordinaria che è coinvolta, sai. Non vi aspettereste che Einstein suonasse dei jack, vero?”. Tyner ha ricordato: “Si spingeva costantemente in avanti. Non si riposava mai sugli allori, era sempre alla ricerca del prossimo… era sempre alla ricerca, come uno scienziato in un laboratorio, alla ricerca di qualcosa di nuovo, una direzione diversa… Continuava a sentire questi suoni nella sua testa…”. Jones e Tyner registrarono entrambi degli omaggi a Coltrane, Tyner con Echoes of a Friend (1972) e Blues for Coltrane: A Tribute to John Coltrane (1987), e Jones con Live in Japan 1978: Dear John C. (1978) e Tribute to John Coltrane “A Love Supreme” (1994).
Si ipotizza che nel 1965 Coltrane abbia iniziato ad usare LSD, informando la trascendenza “cosmica” del suo ultimo periodo. Nat Hentoff ha scritto: “è come se lui e Sanders parlassero con il ‘dono delle lingue’ – come se le loro intuizioni avessero una forza così irresistibile da dover trascendere i modi ordinari del discorso musicale e le texture ordinarie per poter trasmettere quella parte dell’essenza dell’essere che hanno toccato”. Dopo la partenza di Tyner e Jones, Coltrane guidò un quintetto con Sanders al sax tenore, la sua seconda moglie Alice Coltrane al piano, Garrison al basso e Ali alla batteria. Quando era in tour, il gruppo era noto per suonare lunghe versioni del loro repertorio, molte delle quali si estendevano oltre i 30 minuti o un’ora. In concerto, gli assoli dei membri del gruppo spesso si estendevano oltre i quindici minuti.
Il gruppo può essere ascoltato in diverse registrazioni di concerti del 1966, tra cui Live at the Village Vanguard Again! e Live in Japan. Nel 1967, Coltrane entrò più volte in studio. Anche se sono emersi pezzi con Sanders (l’insolito “To Be” ha entrambi gli uomini al flauto), la maggior parte delle registrazioni erano o con il quartetto meno Sanders (Expression e Stellar Regions) o come un duo con Ali. Quest’ultimo duo produsse sei performance che appaiono sull’album Interstellar Space.
1967: Morte
Coltrane morì di cancro al fegato all’età di 40 anni il 17 luglio 1967, all’Huntington Hospital di Long Island. Il suo funerale si tenne quattro giorni dopo nella chiesa luterana di St. Peter a New York City. Il servizio fu iniziato dall’Albert Ayler Quartet e finito dall’Ornette Coleman Quartet. Coltrane è sepolto al cimitero di Pinelawn a Farmingdale, New York.
Il biografo Lewis Porter ipotizzò che la causa della malattia di Coltrane fosse l’epatite, anche se attribuì la malattia all’uso di eroina di Coltrane in un periodo precedente della sua vita. Frederick J. Spencer scrisse che la morte di Coltrane poteva essere attribuita al suo uso di siringhe “o alla bottiglia, o a entrambi”. Affermò che “gli aghi che usava per iniettare la droga potrebbero aver avuto tutto a che fare con” la malattia al fegato di Coltrane: “Se ogni ago è stato contaminato con il relativo virus dell’epatite, può aver causato un’infezione cronica che porta alla cirrosi o al cancro”. Ha notato che nonostante il “risveglio spirituale” di Coltrane nel 1957, “y allora, potrebbe aver avuto epatite cronica e cirrosi… A meno che non abbia sviluppato un focus primario altrove nella vita successiva e che si sia diffuso al suo fegato, i semi del cancro di John Coltrane sono stati piantati nei suoi giorni di dipendenza.”
La morte di Coltrane ha sorpreso molti nella comunità musicale che non erano a conoscenza della sua condizione. Miles Davis ha detto: “La morte di Coltrane ha scioccato tutti, ha preso tutti di sorpresa. Sapevo che non era stato molto bene… Ma non sapevo che fosse così malato, o che lo fosse del tutto.”