La tragedia griega fue una forma de teatro popular e influyente que se representaba en los teatros de la antigua Grecia desde finales del siglo VI a.C. Los dramaturgos más famosos del género fueron Esquilo, Sófocles y Eurípides, y muchas de sus obras se seguían representando siglos después de su estreno. La tragedia griega condujo a la comedia griega y, juntos, estos géneros formaron la base sobre la que se asienta todo el teatro moderno.
Los orígenes de la tragedia
Los orígenes exactos de la tragedia (tragōida) son objeto de debate entre los estudiosos. Algunos han relacionado el surgimiento del género, que comenzó en Atenas, con la forma de arte anterior, la representación lírica de la poesía épica. Otros sugieren un fuerte vínculo con los rituales realizados en el culto a Dionisos, como el sacrificio de cabras -un ritual de canto llamado trag-ōdia- y el uso de máscaras. De hecho, Dionysos llegó a ser conocido como el dios del teatro y tal vez haya otra conexión: los ritos de la bebida, que hacían que el adorador perdiera el control total de sus emociones y se convirtiera en otra persona, como esperan hacer los actores (hupokritai) cuando actúan. La música y la danza del ritual dionisíaco eran más evidentes en el papel del coro y la música proporcionada por un intérprete de aulos, pero los elementos rítmicos también se conservaron en el uso, primero, del tetrámetro trocaico y, después, del trímetro yámbico en la pronunciación de las palabras habladas.
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Una obra de tragedia
Representada en un teatro al aire libre (theatron) como el de Dionysos en Atenas y aparentemente abierta a toda la población masculina (la presencia de mujeres es discutida), el argumento de una tragedia se inspiraba casi siempre en episodios de la mitología griega, que hay que recordar que a menudo formaban parte de la religión griega. Como consecuencia de esta temática seria, que a menudo trataba sobre el bien y el mal moral, no se permitía la violencia en el escenario y la muerte de un personaje debía oírse desde fuera del escenario y no verse. Del mismo modo, al menos en las primeras etapas del género, el poeta no podía hacer comentarios o declaraciones políticas a través de la obra, y el tratamiento más directo de los acontecimientos contemporáneos tuvo que esperar a la llegada del género menos austero y convencional, la comedia griega.
Las primeras tragedias contaban con un solo actor que actuaba disfrazado y con máscara, lo que le permitía la presunción de hacerse pasar por un dios. Aquí podemos ver tal vez el vínculo con el ritual religioso anterior donde los procedimientos podrían haber sido llevados a cabo por un sacerdote. Más tarde, el actor solía dirigirse al líder del coro, un grupo de hasta 15 actores que cantaban y bailaban pero no hablaban. Esta innovación se atribuye a Tespis en el año 520 a.C. El actor también cambiaba de vestuario durante la representación (utilizando una pequeña carpa detrás del escenario, la skēne, que más tarde se convertiría en una fachada monumental) y así dividir la obra en distintos episodios. Se atribuye a Frínico la idea de dividir el coro en diferentes grupos para representar a los hombres, las mujeres, los ancianos, etc. (aunque todos los actores en escena eran, de hecho, hombres). Finalmente, se permitieron tres actores en el escenario, una limitación que permitía la igualdad entre los poetas en la competición. Sin embargo, una obra podía tener tantos actores no hablantes como fuera necesario, por lo que, sin duda, las obras con mayor respaldo económico podían montar una producción más espectacular con trajes y decorados más finos. Por último, se atribuye a Agatón la adición de interludios musicales ajenos a la historia en sí.
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La tragedia en competición
El concurso más famoso para la representación de la tragedia era en el marco de la fiesta primaveral de Dionysos Eleuthereus o de la ciudad Dionysia en Atenas, pero hubo muchos otros. Aquellas obras que pretendían ser representadas en los concursos de un festival religioso (agōn) debían pasar por un proceso de audición juzgado por el arconte. Sólo las que se consideraban dignas del festival recibían el respaldo financiero necesario para procurarse un costoso coro y tiempo de ensayo. El arconte también nombraba a los tres chorēgoi, los ciudadanos que debían financiar el coro de una de las obras elegidas (el Estado pagaba al poeta y a los actores principales). Las obras de los tres poetas seleccionados eran juzgadas en el día por un jurado y el premio para el ganador de tales concursos, además de honor y prestigio, era a menudo un caldero trípode de bronce. A partir del año 449 a.C. también había premios para los actores principales (prōtagōnistēs).
Los escritores de tragedias
El primero de los grandes poetas trágicos fue Esquilo (c. 525 – c. 456 a.C.). Innovador, añadió un segundo actor para los papeles menores e incluyendo más diálogos en sus obras, exprimió más dramatismo de las viejas historias tan conocidas por su público. Como las obras se presentaban a concurso en grupos de cuatro (tres tragedias y una obra de sátiros), Esquilo a menudo continuaba un tema entre obras, creando secuelas. Una de estas trilogías es la de Agamenón, Los portadores de libaciones (o Ceoéforos) y Las Furias (o Euménides), conocidas en conjunto como las Oresteias. Se dice que Esquilo describió su obra, compuesta por al menos 70 obras de las que se conservan seis o siete, como «bocados del festín de Homero» (Burn 206).
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El segundo gran poeta del género fue Sófocles (c. 496-406 a.C.). Tremendamente popular, añadió un tercer actor a los procedimientos y empleó escenografía pintada, a veces incluso cambios de escenografía dentro de la obra. Los tres actores permitían ahora una mayor sofisticación de la trama. Una de sus obras más famosas es Antígona (c. 442 a.C.), en la que la protagonista paga el precio final por enterrar a su hermano Polinices en contra de los deseos del rey Kreon de Tebas. Se trata de una situación clásica de la tragedia: el derecho político de negar los ritos funerarios al traidor Polinices se contrapone al derecho moral de una hermana que quiere dar sepultura a su hermano. Otras obras son Edipo rey y Las mujeres de Trāchis, pero en realidad escribió más de 100 obras de teatro, de las que se conservan siete.
El último de los poetas clásicos de la tragedia fue Eurípides (c. 484-407 a.C.), conocido por sus ingeniosos diálogos, su fina lírica coral y un cierto realismo en su texto y presentación escénica. Le gustaba plantear preguntas incómodas e inquietar al público con su tratamiento reflexivo de temas comunes. Probablemente por eso, aunque era popular entre el público, sólo ganó algunos concursos de festivales. De unas 90 obras, se conservan 19, entre las que destaca Medeia, en la que Jasón, de la fama del Vellocino de Oro, abandona al personaje del título por la hija del rey de Corinto, con la consecuencia de que Medeia mata a sus propios hijos en venganza.
El legado de la tragedia
Aunque las obras de teatro se encargaban específicamente para la competición durante los festivales religiosos y de otro tipo, muchas se volvieron a representar y se copiaron en guiones para su publicación «en masa». Los guiones considerados clásicos, en particular los de los tres grandes tragedias, fueron incluso conservados por el Estado como documentos oficiales e inalterables. Además, el estudio de las obras «clásicas» se convirtió en una parte importante del programa escolar.
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Sin embargo, continuamente se escribían y representaban nuevas obras, y con la formación de los gremios de actores en el siglo III a.C. y la movilidad de las compañías profesionales, el género continuó extendiéndose por todo el mundo griego y los teatros se convirtieron en una característica común del paisaje urbano desde la Magna Grecia hasta Asia Menor.
En el mundo romano, las obras de tragedia se tradujeron e imitaron en latín, y el género dio lugar a una nueva forma de arte a partir del siglo I a.C., la pantomima, que se inspiró en la presentación y el tema de la tragedia griega.