Os preguntamos cuál era la mejor bassline del mundo, votasteis y, por el poder del proceso democrático, ya podemos desvelar el ganador.
Pero primero, ¿qué entendemos por la mejor bassline de la historia? ¿Puede existir algo así? Lo que nos dice esta lista es que no hay un estilo que domine las encuestas. Hay pop, hay rock, y también disco.
Tenemos metal ahí, bajos desplegados en composiciones que se alejan del jazz-fusión que practica Jaco Pastorius, que, no es una gran sorpresa, pasó el corte.
¿Cómo podemos valorar una línea de bajo de James Jamerson en el mismo eje que la de Cliff Burton? Claro que podemos: se trata de que el bajo cumpla su función, que aporte melodía a la sección rítmica, que apuntale el groove, y hace falta de todo.
Que nuestros dos primeros puestos hayan sido ocupados por el mismo músico puede hacer que se levanten algunas cejas, pero luego, cuando llegas allí, por supuesto, es exactamente lo que esperarías…
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El Pollo – Jaco Pastorius
El maestro del bajo de jazz fusión, Jaco Pastorius, en su entorno natural, recorriendo una vieja jam de Pee Wee Ellis con el Bass of Doom, su fretless hackeado en casa, su herramienta para abrir la puerta a todas las nuevas posibilidades del mundo del bajo.
¿Quizás esto debería haber estado más arriba en la lista, amigos? Pero es un gran punto de partida, una obra de jazz funk que camina y se pavonea y que es cerebral cuando escribes las notas en la hoja, pero espiritual cuando la escuchas interpretada. Pastorius en modo de jam relajada es el bajo como espectáculo. Parece tan fácil, pero…
Rio – Duran Duran (John Taylor)
Una línea de bajo hipercinética, Rio fue descrita por John Taylor como una carta de amor a las secciones rítmicas clásicas que le inspiraron a él y al batería Roger Taylor. Es el mejor momento de Duran Duran, quizás también del pop británico.
Como tiene que ser con la música pop, todo está en el paso de cerradura, atornillado, diseñado primero y luego probado antes de tomar vuelo. Tiene que ser así; la síncopa aquí es aterradora, y tienes algunos ganchos masivos que aterrizar para que la canción funcione.
En el vídeo de arriba, Taylor explica cómo se creó la canción y su enfoque. Al rendir homenaje a las grandes secciones rítmicas de antaño, los Taylor se convirtieron en una de ellas.
Ain’t No Mountain High Enough – Marvin Gaye y Tammi Terrell (James Jamerson)
Una clase magistral de James Jamerson en cuanto a tono, sensación y espacio. El mejor trabajo de Jamerson se encuentra a menudo en lo que decide no tocar, su disciplina y contención sólo sirven para fortalecer los fundamentos sobre los que se construye la canción. Tal vez esa sea la marca infalible de un gran intérprete; las canciones en las que tocan son todas geniales.
Este, por supuesto, es un estándar del soul, de la vida, y todo está al servicio de la voz como debería, pero echa un vistazo a la pista aislada de arriba para ver cuánto espacio hay aquí, y las justas elecciones de notas que apoyan la melodía. ¿El tono de Jamerson? Es la quintaesencia de la Motown, leñoso, cálido, todo golpe, todo alma.
Tommy The Cat – Primus (Les Claypool)
Experto pescador, fumador, enólogo, bajista… Les Claypool es el polímata de los polímatas, un hombre de nuestro tiempo. Nadie toca como él. Cuando Primus estuvo de gira con Rush, puede que Claypool se sintiera admirado por su héroe, Geddy Lee, pero Lee se inspiró a su vez en el estilo efervescente del hombre de Primus.
Se trata de acordes estruendosos, de golpes, de armónicos y de notas fantasma bien dirigidas por todas partes, y en ninguna parte esta visión es más clara que en Tommy The Cat. Su chiflado surco de bajo, que se hace a golpe de bofetada, requiere un pulgar experto y cero miedo.
The Chain – Fleetwood Mac (John McVie)
La línea de bajo de la que hablamos aquí no aparece hasta que el tema gira sobre sus talones hacia el final, lo que hace que The Chain parezca una de las composiciones con más caras de Jano de la historia del rock. Sin embargo, de alguna manera funciona, la tensión de la primera mitad se libera en la segunda.
Quizás todo esto tenga que ver con la forma en que se compuso la canción, en trozos, fracturada y unida. La línea de bajo de McVie es sencilla, en primer plano, muy posiblemente grabada con la Alembic Series 1 que utilizaba por aquel entonces, y es una que todo aspirante a bajista debería aprender, aunque sólo sea para molestar a los empleados de la tienda de música cuando vayas a probar un bajo.
Phantom Of The Opera – Iron Maiden (Steve Harris)
La Nueva Ola del Heavy Metal Británico estaba cobrando impulso cuando Iron Maiden lanzó su debut y Phantom Of The Opera le dio la ambición y el alcance que merecía. Como lo describe Steve Harris, fue progresivo, y sigue siendo uno de los mejores momentos de Maiden.
Siete minutos de agitados cambios de sentimiento y grandilocuencia melódica, muestra el gusto de Maiden por lo teatral. El enfoque de Harris es el mismo que el de ahora, poner su Fender P-Bass a través de un amplificador con manivela y hacerle cosquillas de forma rápida y precisa, un estilo de dedos infalible que es brutalmente eficiente y, aquí, apunta a las guitarras donde él quiere que vayan. Harris es el bajista como maestro.
Teen Town – Weather Report (Jaco Pastorius)
Cuando se desglosa la línea de bajo de Teen Town y se toma una frase a la vez, y se mantiene lenta, podría parecer casi al alcance de la mano. Pero al volver a escuchar la grabación, a todo ritmo, es un acto de genialidad bravucona que realmente sólo Jaco Pastorius puede llevar a cabo.
Seguro que muchos pueden tocarlo, al igual que muchos pueden tocar el Eruption de Eddie Van Halen, pero Pastorious habita esta pieza, haciendo estallar todo alrededor con su Fender Jazz del 62 – el bajo de la perdición – y cambiando para siempre la forma en que vemos el bajo. La forma de tocar de Pastorius aquí es un cambio paradigmático para el instrumento, sin trastes, sin ataduras y visionario.
I Want You Back – Jackson 5 (Wilton Felder)
Perfección pop cristalina, un salón de la fama de Motown, y todavía un elemento básico de la pista de baile 50 años después, I Want You Back tiene mucho que recomendar. Pero la línea de bajo de Wilton Felder es el pegamento que lo mantiene todo unido. Es la melodía. Es el ritmo. Y es imposible quitárselo de la cabeza.
Felder era igualmente conocido por su forma de tocar el saxofón. Los Jazz Crusaders eran su principal preocupación. Pero como músico de sesión, pinchando con su Fender Telecaster Bass, ofreció algunas actuaciones superlativas con Donald Byrd, Joen Baez y Marvin Gaye. Sin embargo, ninguno de ellos pudo tocar esto.
Hysteria – Muse (Chris Wolstenholme)
Una supernova de notas 16, el bajo fuzzed-up de Chris Wolstenholme realmente corta a través de Hysteria. Aquí, como a menudo, Wostenholme proporciona a Muse su sentido de la gravedad.
Cuando Bellamy et al están llevando las cosas a lo extraterrestre, su forma de tocar enraíza a Muse en una tradición de rock que podría remontarse a las grandes bestias – Deep Purple y todo ese jazz.
La clave de esto es su naturaleza implacable. Algunos bajistas podrían haber reducido la escala, pero Wolstenholme se compromete plenamente, con la cabeza en el bolsillo, y eso hace que sea una experiencia súper cinética que la convierte en una lista de canciones perenne.
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Por quién doblan las campanas – Metallica (Cliff Burton)
La línea de bajo de Por quién doblan las campanas se disfruta mejor en directo. Es donde realmente dejan que Cliff Burton se suelte con el bajo zumbador y el pedal wah, una tradición respetada por Jason Newsted y Rob Trujillo, pero apenas con el tipo de carisma animal de Burton.
Un tema destacado, el riff cromático descendente de Burton articula una sensación de puro pavor -esto, después de todo, está inspirado en la escritura de guerra implacable de Hemingway- y no hay nada más estimulante en una canción de heavy metal. El uso de la distorsión del bajo y el wah amplía el impacto de la forma de tocar de Burton, como una bomba sucia que irradia el resto de la canción con amenaza.
Come Together – The Beatles (Paul McCartney)
Come Together es un triunfo de la producción de George Martin, del lirismo surrealista y de una línea de bajo tan ruidosa e insistente que se puede fijar toda una canción en ella.
Los Beatles tenían una extraña habilidad para equilibrar las luces y las sombras, las canciones pop para niños de todas las edades y las subversivas jams de finales de los sesenta. Inspirada en la condena por marihuana de Timothy Leary, Come Together tiene mucho de esto último.
Todas las líneas de bajo de Paul McCartney son textos fuente esenciales para saber cómo tocar el instrumento. Su elección de notas y su capacidad para caminar por debajo de la canción sin abandonar su puesto no tiene parangón en la música popular, pero ésta es la cúspide de su forma de tocar el blues.
Orion – Metallica (Cliff Burton)
Metallica llevaba tiempo construyendo algo así. Habían servido de aviso con el solo de bajo de Cliff Burton en Kill ‘Em All, Anasthesia, y luego el frío horror del épico instrumental de Ride The Lightning, The Call Of Ktulu. Pero Orion es donde sus habilidades de composición florecieron completamente, y donde finalmente encontraron el foro para su visionario bajista Cliff Burton y sus prodigiosos apetitos creativos.
Orion es una bestia rara, un instrumental de ocho minutos y medio que nunca pierde nuestro interés. En su mayor parte, Burton aparca su agresivo estilo de bajo al ritmo del riff antes de soltarse para orquestar una sección media que eleva el juego del bajo a lo cuasi-orquestal. Realmente magistral, y una marca de agua alta para el heavy metal.
Under Pressure – Queen & David Bowie (John Deacon)
Cuando tienes a David Bowie uniéndose a Freddie Mercury en la pista, necesitas algo especial, y viene a través de otro riff de John Deacon que sería tan reconocible para el bajo como Smoke On The Water lo es para la guitarra.
Al igual que con los riffs de guitarra, es la simplicidad lo que hace que funcione, una insistencia que permite que todo se construya en la parte superior, un tema de pop-rock tenso que se convierte en una espiral de grandeza operística.
Otro número uno escrito por Deacon -¿o lo era? Esta es una canción que ha entrado en la leyenda, con Bowie o tal vez Roger Taylor ayudando a Deacon a arreglarla. En cualquier caso, se trata de otra línea de bajo que ha entrado en la efeméride cultural del pop, y su alcance se ha ampliado gracias a que otros la han sampleado.
Schism – Tool (Justin Chancellor)
Esta es una canción tan típica de Tool, jugada desde el principio hasta el final, con el tema y el título de la pista aparentemente informando la composición, con una sucesión cuidadosamente elaborada de tiempos alternos.
Nunca se queda quieto. Si la función principal del bajo es dar a la canción su ritmo – especialmente en el rock/metal/etc. – entonces, aquí, Justin Chancellor ha llevado la noción a su extremo vanguardista.
Suena casi como un flamenco, los agudos de Chancellor hacen que esos martillos legato destaquen. Es un enfoque extraño, típico de él, que descoloca al oyente, prometiendo que todas las apuestas están fuera.
Money – Pink Floyd (Roger Waters)
Money es el ejemplo de libro de texto de la línea de bajo como riff de guitarra. En un universo paralelo, podría haber sido David Gilmour quien lo compusiera y tocara el riff con su Stratocaster. Pero esta es una unión de Roger Waters, enviando el riff una octava hacia abajo, donde el extremo inferior hace que el surco sea hermético y le da una autoridad e inercia que no podría lograrse con la guitarra.
Money es la canción más inmediata de The Dark Side Of The Moon, la línea de bajo es bastante fácil de tocar, pero es tramposa en el contexto, tocada principalmente en 7/8 y volviendo a 4/4 para el solo de Gilmour.
Good Times – Chic (Bernard Edwards)
La línea de bajo de Good Times, de Bernard Edwards, es el ne plus ultra de las líneas de bajo de la música disco, y su tempo y ritmo son un ejemplo de lo que hace que la gente se mueva bajo el lustroso hechizo de una bola de brillo.
Sin ella, la evolución del hip-hop se habría detenido, y mucho más. El paralelismo de 110bpm con el trabajo de John Deacon en Another One Bites The Dust es testimonio de su alcance, de que su gravedad de funk puro fue suficiente para atraer a titanes del rock orquestal a su órbita.
Sin embargo, por muy omnipresente que se haya vuelto, cuando la escuchas, es el momento de bailar, tocar el bajo de aire y quizás preguntarte cómo podríamos inyectar tanta invención en una parte rítmica.
What’s Going On – Marvin Gaye (James Jamerson)
De nuevo, es el tono regordete y redondeado de James Jamerson en la Motown, su tacto, su sentido de la propiedad rítmica y su sensibilidad melódica le sitúan en la cima de cualquier conversación sobre ‘Lo mejor en bajos’.
Su discografía es incomparable, pero la sesión de Marvin Gaye de 1971 es una leyenda. Es una leyenda en la que Jamerson fue secundado recién salido de una noche de juerga en un club, y se sentó en una silla en el estudio A de Motown para, posteriormente, hacer su toma tumbado de espaldas como una tortuga volcada.
Dave Van DePitte, que compuso las partes, observó cómo Jamerson se relajaba en la parte, se relajaba en el ser. Sólo los verdaderos grandes tienen un acceso tan instantáneo a sus mejores interpretaciones.
Ramble On – Led Zeppelin (John Paul Jones)
El suave y redondo sonido del Fender Jazz Bass de John Paul Jones de 1962 ayuda a consolidar Ramble On como uno de los mejores momentos de Led Zeppelin en la grabación. Es una improvisación acústica de hoja suelta a la que Jones da sentido y peso emocional apoyando la voz de Plant y completando las ideas melódicas ofrecidas por la elección de acordes de Page.
El tono es clásico de Jones: el Jazz, las cuerdas planas, tocando a través de un amplificador de bajo Acoustic 360/361. Es un tono suntuoso, de un amplificador que fue rockeado por todos los grandes – Dave Brown, John McVie, Jaco, Ron Blair…
Escucha la línea de bajo aislada Ramble On de Jones y estarás persiguiendo un 360 vintage en Reverb. Espera pagar alrededor de mil dólares. Merecerá la pena.
My Generation – The Who (John Entwistle)
El nihilismo de la juventud, la energía, la necesidad de destrozarlo todo, My Generation era los Who en su momento más compustible. No hay un gran salto entre la anarquía desenfrenada de My Generation y los Stoogies.
Lo que hace que la línea de bajo de Entwistle sea tan notable aquí es su participación en esta anarquía. Los bajistas la sostienen, no la destrozan. Sin embargo, aquí está Entwistle haciendo ambas cosas, tocando a la vez con Roger Daltry.
Toda la banda lo hace, con el estruendo del riff trabajando alrededor de los versos de Daltry, pero Entwistle toma lo que es efectivamente un solo de bajo cada vez que hay un poco de aire muerto, espacio para causar un poco más de caos. De todos los bajistas aquí, Entwistle – posiblemente – es el más estimulante.
Roundabout – Yes (Chris Squire)
Otro tema en el que Chris Squire debería dividir sus derechos de autor con créditos con el Sr. Rick N. Backer…. Pero hablando en serio, el funk-thunder que surge después de la icónica intro es un delicioso sonido de bajo de los 4001, y le da a Roundabout cuerpo, profundidad y un groove no muy diferente al de Love Machine de los Miracles.
Escuchando la pista de bajo aislada, es notable la cantidad de dientes y acero que hay en el tono de Squire. Hay una pizca de polvo de hadas del zumbido del traste que sirve como una pseudo-octava arriba. Es un tema ágil, con una cadencia robótica que complementa las suaves teclas del recién contratado Rick Wakeman.
Lessons In Love – Level 42 (Mark King)
Lessons In Love ve cómo las habilidades de Mark King se cruzan en la cumbre de sus capacidades. Fue escrito en el loft de King en Streatham, donde tenía un carrete de ocho pistas, y donde la banda estaba bajo la mira de la compañía discográfica.
Polydor necesitaba un single. Lo escribieron y llegó al número uno, y ahí mismo se puede ver la lógica financiera detrás de la vieja broma de que el pulgar derecho de King estaba asegurado por mucho dinero.
Escrita en los años 80, una década que premiaba la generosidad, King va a por todas con un motivo de bofetada punzante que es todo pulgar, todo el tiempo, un trampolín propulsivo para la melodía.
Another One Bites The Dust – Queen (John Deacon)
Aquí, John Deacon dio un giro a la banda, escribiendo algo por su cuenta y dando a Queen su mayor éxito de ventas. Siendo esta la perfección del pop-rock, con un toque discotequero, la simplicidad es lo más importante, con Deacon golpeando los primeros tiempos del compás con un mi grave staccato y terminándolo con una 16ª nota que da pie al siguiente. Gran parte del movimiento está entre las notas.
En otros lugares, Deacon despejó las cubiertas, musicalmente hablando, quitando el chapoteo de la batería de Roger Taylor, dejando el tema como una doble vía entre su plimsoll shuffle y las voces cinéticas de Freddie Mercury – el showman operístico se pone a rapear – con Brian May ofreciendo un acompañamiento de guitarra funk de fondo. Majestuoso.
The Real Me – The Who (John Entwistle)
La leyenda dice que John Entwistle grabó esta línea de bajo en una sola toma, que sólo estaba haciendo el tonto. Cuando escuchas su parte aislada en la mezcla, incluso se te podría perdonar que pensaras que era para la canción equivocada, pero de alguna manera funciona, una alquimia que coordina una canción que está entre las mejores que los Who escribieron jamás.
En los Who era voz principal, guitarra principal, bajo principal, batería principal. La parte de Entwistle -escasa, intermitente, volátil- da a The Real Me una sensación de peligro, un atractivo desorientador y movedizo, totalmente en sintonía con el tema de la canción de las personalidades divididas y la búsqueda de la identidad.
Freewill – Rush (Geddy Lee)
Freewill es un excelente ejemplo de la sensibilidad melódica y la contención de Geddy Lee que endulza toda una composición. Rush son célebres por lo que aportan intelectualmente: al jugar con los compases y los cambios de tonalidad, apelan al cerebro. Pero su sentido de la humanidad les permite captar también el corazón.
Un tema sobresaliente de un álbum sobresaliente, Permanent Waves de 1980, Freewill fue escrito rápidamente, y encuentra un sentido de aventura a medida que progresa fuera del 4/4 recto, manteniendo la ilusión de que es una canción de pop-rock recto – son las emociones que estamos sintiendo – y sin embargo, escucha lo que Lee está haciendo, eso es un juego de manos.
YYV – Rush (Geddy Lee)
Geddy Lee ha hablado antes de sus esfuerzos por aumentar su juego, añadiendo patrones funk y más je ne sais quois rítmicos, tocando con las uñas en un estilo pseudo-flamenco. Como banda, Rush nunca se quedó quieta, persiguiendo nuevos sonidos y vías de composición.
Pero ante todo, Geddy Lee es un bajista de rock fenomenal, y en YYZ, establece un tour de force de bajo de rock con una línea progresiva de jack-in-the-box que se sienta en el bolsillo incómodo de 10/8, quintas aplanadas sacudiendo la canción a la vida, antes de abrir al himno y la lista de canciones en que se convertiría. Todo surgió de una improvisación entre él y Neil Peart.
Para aquellos que están aprendiendo el instrumento, este es uno de esos temas que hay que colocar en la lista de aprendizaje, algo para construir tus habilidades. Si eres capaz de tocar al ritmo de esto, lo has conseguido como músico, y el 18,19 por ciento de vosotros dice que es la mejor línea de bajo de todos los tiempos.
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