Perguntámos-lhe qual foi a maior bassline do mundo, você votou, e pelo poder do processo democrático, podemos agora revelar o vencedor.
Mas primeiro, o que queremos dizer com a maior bassline de sempre? Poderá haver tal coisa? O que esta lista nos diz é que não há um estilo que domine as sondagens. Há o pop, há o rock, e a discoteca também.
Temos lá metal, baixo implantado em composições que estão longe da fusão do jazz como praticado por Jaco Pastorius, que, sem grande surpresa, fez o corte.
Como podemos avaliar um bassline de James Jamerson no mesmo eixo que Cliff Burton? Claro que podemos – é tudo uma questão de baixo servindo a sua função, trazendo melodia para a secção rítmica, sustentando a ranhura, e leva todo o tipo de coisas.
Que as nossas duas melhores ranhuras foram tomadas pelo mesmo tocador poderia levantar algumas sobrancelhas, mas depois, quando se chega lá, claro, é exactamente isso que se esperaria…
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O Frango – Jaco Pastorius
O mestre do baixo de fusão jazz, Jaco Pastorius, no seu ambiente natural, rodando anéis em torno de um velho Pee Wee Ellis jam no Baixo da Perdição, a sua ferramenta de jimmying sem restrições, abre a porta a todas as novas possibilidades para o mundo da guitarra baixo.
Talvez isto devesse ter sido mais alto na lista, amigos? Mas faz um óptimo ponto de partida, um trabalho ambulante, de cordas do funk do jazz que é cerebral quando se escreve as notas na folha, mas espiritual quando se ouve a sua execução. Pastorius em modo de jam descontraído é guitarra baixo como espectáculo. Parece tão fácil, mas…
Rio – Duran Duran (John Taylor)
Um bassline hiper-kinetic, o Rio foi descrito por John Taylor como sendo uma carta de amor às secções de ritmo clássico que o inspirou a ele e ao baterista Roger Taylor. É o melhor momento de Duran Duran, talvez também de pop britânico.
Como tem de ser com música pop, tudo está em passo de fechadura, aparafusado, engenhado primeiro e depois testado antes de voar. Tem de ser; a sincopação aqui é assustadora, e há alguns ganchos enormes para aterrar para que a canção funcione.
No vídeo acima, Taylor explica como é que eles juntam a canção e a sua abordagem. Ao prestar homenagem a grandes secções rítmicas do passado, os Taylors tornaram-se eles próprios um.
Ain’t No Mountain High Enough – Marvin Gaye e Tammi Terrell (James Jamerson)
A James Jamerson masterclass em tom, tacto e espaço. O melhor trabalho de Jamerson é frequentemente encontrado no que ele escolhe não tocar, a sua discpline e contenção apenas servem para fortalecer os fundamentos sobre os quais a canção é construída. Talvez essa seja a marca à prova de falhas de um grande tocador; as canções que tocam são todas óptimas.
Esta, é claro, é um padrão de alma, de afirmação de vida, e tudo serve os vocais como deveria, mas verifique a faixa isolada acima para ver quanto espaço há aqui, e as escolhas de notas justas que suportam a melodia. O tom de Jamerson? É quintessencial Motown, amadeirado, quente, todo batido, toda alma.
Tommy The Cat – Primus (Les Claypool)
Expert angler, stoner, winemaker, bass player… Les Claypool é o polimata do polymath, um homem dos nossos tempos. Ninguém toca como ele. Quando Primus fez uma digressão com Rush, podia ter sido Claypool que estava admirado com o seu herói, Geddy Lee, mas Lee, por sua vez, foi inspirado pelo estilo efervescente do homem Primus.
Ele vai tocar acordes, tocar, bater harmónicos e espalhar notas fantasmas bem apontadas por todo o seu jogo, e em nenhum lugar esta visão se junta mais claramente do que em Tommy The Cat. O seu groove de baixo maluco e cheio de estalos exigirá um polegar especializado e zero medo.
The Chain – Fleetwood Mac (John McVie)
A linha de base de que estamos a falar aqui não aparece até a faixa virar nos seus calcanhares no final, fazendo com que The Chain se sinta como uma das composições mais caras de Janus na história do rock. No entanto, de alguma forma funciona, a tensão da primeira metade libertada na segunda.
Talvez tudo isto seja para fazer como a canção foi composta, em bocados, fracturada e fragmentada. A bassline de McVie é simples, em primeiro plano, muito possivelmente gravada no Alembic Series 1 que ele estava a usar por volta dessa altura, e é uma que todo o aspirante a baixista deve aprender – quanto mais não seja para perturbar os empregados da loja de música quando se entra e se experimenta um baixo.
Phantom Of The Opera – Iron Maiden (Steve Harris)
A Nova Onda do Heavy Metal Britânico estava a ganhar força quando o Iron Maiden lançou a sua estreia e Phantom Of The Opera deu-lhe a ambição e o alcance que merecia. Tal como Steve Harris o descreve, foi progressivo, e continua a ser um dos melhores momentos da Donzela.
Sete minutos de mudanças de sensação agitada e de grandeza melódica, ela mostra o gosto da Donzela pelo teatro. A abordagem de Harris, então, é como é agora, colocar o seu Fender P-Bass através de um amplificador com manivela e fazer-lhe cócegas de forma rápida e precisa, um estilo de dedo infalível que é brutalmente eficiente e, aqui, aponta as guitarras para onde ele quer que elas vão. Harris é o baixista como maestro.
Teen Town – Weather Report (Jaco Pastorius)
Quando se quebra a linha de base da Teen Town e se pega numa frase de cada vez, e se a mantém lenta, pode quase parecer ao alcance da mão. Mas ao ouvir a gravação, a tempo inteiro, é um acto de génio da bravura que só Jaco Pastorius pode realmente conseguir.
Certo, muitos podem tocá-lo, tal como muitos podem tocar Eruption de Eddie Van Halen, mas Pastorious habita esta peça, estalando à sua volta com o seu Fender Jazz de ’62 – o baixo da desgraça – e mudando para manter a forma como olhamos para o baixo guitarra. Pastorius toca aqui é uma mudança paradigmática para o instrumento, sem freio, sem limites, e visionário.
I Want You Back – Jackson 5 (Wilton Felder)
Perfeição pop cristalina, uma muralha de fama da Motown, e ainda uma pista de dança de 50-odd anos depois, I Want You Back tem muito a recomendar. Mas a bassline de Wilton Felder é a cola que mantém tudo junto. É a melodia. É o ritmo. E é impossível sair da sua cabeça.
Felder era igualmente conhecido pelo seu saxofone a tocar. Os Jazz Crusaders eram a sua principal preocupação. Mas como músico de sessão, tocando o seu Fender Telecaster Bass, fez algumas actuações superlativas com Donald Byrd, Joen Baez e Marvin Gaye. Nenhum podia tocar nisto, no entanto.
Histeria – Musa (Chris Wolstenholme)
Uma supernova de 16 notas, o baixo de Chris Wolstenholme, com a sua formação de fuzz-up, corta realmente o Hysteria. Aqui, como é frequentemente, Wostenholme fornece à Musa o seu sentido de gravidade.
Quando Bellamy et al estão a tomar coisas extra-terrestres, as suas raízes tocando Muse numa tradição rochosa que poderia ser rastreada até às grandes bestas – Deep Purple e todo aquele jazz.
As chaves para isto é a sua natureza implacável. Alguns baixistas poderiam tê-lo escalado de volta, mas Wolstenholme compromete-se totalmente, cabeça para baixo no bolso, e faz com que seja uma experiência super-cinética que o torna uma lista de set perene.
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For Whom The Bell Tolls – Metallica (Cliff Burton)
A bassline to For Whom The Bell Tolls é mais bem saboreada ao vivo. É onde eles realmente deixam Cliff Burton soltar-se com baixo e pedal wah, uma tradição respeitada por Jason Newsted e Rob Trujillo, mas dificilmente com o tipo de carisma animalista de Burton.
Uma faixa destacada, o riff cromático descendente de Burton articula uma sensação de puro pavor – isto, afinal de contas, é inspirado pela escrita de guerra sem espalhafato de Hemingway – e não há nada mais estimulante numa canção de heavy metal. O uso de distorção do baixo e wah alarga o impacto da música de Burton, como uma bomba suja irradiando o resto da canção com ameaça.
Come Together – The Beatles (Paul McCartney)
Come Together é um triunfo da produção de George Martin, de lirismo surrealista, e uma bassline tão alto e insistente que se pode fixar nela uma canção inteira.
Os Beatles tinham uma capacidade extraordinária de equilibrar a luz e a sombra, as canções pop para crianças de todas as idades e as compotas subversivas do final dos anos sessenta. Inspirado pela convicção de Timothy Leary sobre a marijuana, o “Come Together” é muito mais este último.
Todas as linhas de base de Paul McCartney são textos-fonte essenciais para a forma de tocar o instrumento. As suas escolhas de notas e a sua capacidade de andar por baixo da canção sem deixar o seu posto é inigualável na música popular, mas este é o acme do seu blues a tocar.
Orion – Metallica (Cliff Burton)
Metallica tinha vindo a construir para algo assim há algum tempo. Eles tinham servido de aviso com o solo de baixo de Cliff Burton em Kill ‘Em All, Anasthesia, e depois o horror frio de Ride The Lightning’s epic instrumental, The Call Of Ktulu. Mas Orion é onde as suas capacidades de composição de canções floresceram totalmente, e onde finalmente encontraram o fórum para o seu baixista visionário Cliff Burton e os seus prodigiosos apetites criativos.
Orion é uma besta rara, um instrumental de oito minutos e meio que nunca perde o nosso interesse. Na sua maior parte, Burton estaciona o seu estilo agressivo de contrabaixo em passo de cadeado com o riff antes de ser solto para orquestrar uma secção intermédia que eleva o baixo ao quase-orquestral. Verdadeiramente magisterial, e uma marca de água alta para heavy metal.
Under Pressure – Queen & David Bowie (John Deacon)
Quando tem David Bowie a juntar-se a Freddie Mercury na faixa, precisa de algo especial, e vem através de outro riff John Deacon que seria tão reconhecível para baixo como Smoke On The Water é para tocar guitarra.
Como com riffs de guitarra, é a simplicidade que a faz funcionar, uma insistência que permite que tudo seja construído em cima, uma faixa pop-rock esticada que se transforma em espiral em grandeza lírica.
Outra canção número um da Deacon – ou foi? Esta é uma que entrou na lenda, com Bowie ou talvez Roger Taylor a ajudar Deacon a organizá-la. Seja como for, esta é outra bassline que entrou na efémera pop-cultural, o seu alcance alargado por outros que a experimentaram.
Schism – Tool (Justin Chancellor)
Esta é uma canção que é tão tipicamente Tool, gamed out do princípio ao fim, com o tema e o título da faixa aparentemente informando a composição, com uma sucessão cuidadosamente elaborada de assinaturas de tempo alternado.
Nunca fica parado. Se a principal função da guitarra baixo é dar à canção o seu groove – especialmente em rock/metal/etc – então, aqui, Justin Chancellor levou a noção ao seu extremo vanguardista.
Soa quase como flamenco, o trio de agudos do Chanceler fazendo com que esses martelos de legato realmente saltem à vista. É uma abordagem extraterrestre, típica dele, que destitui o ouvinte, prometendo que todas as apostas estão canceladas.
Money – Pink Floyd (Roger Waters)
Money é o exemplo do bassline como riff de guitarra. Num universo paralelo, poderia ter sido David Gilmour quem o escreveu e tocou o riff na sua Stratocaster. Mas esta é uma junção de Roger Waters, enviando o riff uma oitava para baixo onde o baixo-final torna o groove hermético e empresta-lhe uma autoridade e inércia que não poderia ser alcançada na guitarra.
Money é a canção mais imediata em The Dark Side Of The Moon, o bassline é suficientemente fácil de tocar, mas é enganador no contexto, tocado principalmente em 7/8 e revertendo para 4/4 para o solo de Gilmour.
Good Times – Chic (Bernard Edwards)
Relentlessly sampled, quoted, and replayed to the point that is woven into pop-culture’s DNA, Bernard Edwards’ Good Times’ bassline is the ne plus ultra of disco ‘lines, its tempo and groove a case study in what will make people move under the lustrous spell of a glitterball.
Sem isso, a evolução do hip-hop teria sido atrofiada, e muito mais além. Os 110bpm são paralelos ao trabalho de John Deacon em Another One Bites The Dust é uma prova do seu alcance, de que a sua pura gravidade funk foi suficiente para puxar os titãs das rochas orquestrais para a sua órbita.
Yet não importa quão ubíquo se tenha tornado, quando se ouve, é altura de dançar, tocar baixo aéreo, e talvez pensar como poderíamos injectar tanta invenção numa parte rítmica.
What’s Going On – Marvin Gaye (James Jamerson)
Again, it’s James Jamerson’s plump, rounded Motown tone, his feel, his sense of rhythmic propriety and melodic sensibility places him at the summit of any ‘Best in Bass’ conversation.
A sua discografia é incomparável – mas a sessão para a cris de coeur de 1971 de Marvin Gaye é o material da lenda. É uma lenda em que Jamerson foi destacado fresco de uma folia de uma noite num clube, depenado numa cadeira no Estúdio A da Motown para subsequentemente entregar o seu take enquanto estava deitado de costas como uma tartaruga virada para cima.
Dave Van DePitte, que escreveu as peças, observou como Jamerson relaxou na peça, relaxou-a na existência. Só os verdadeiros grandes têm tal acesso instantâneo às suas melhores performances.
Ramble On – Led Zeppelin (John Paul Jones)
O suave e arredondado thunk do Fender Jazz Bass de John Paul Jones de 1962 ajuda a cimentar Ramble On como um dos melhores momentos de Led Zeppelin em registo. É uma compota acústica de folhas soltas que é dada com propósito e peso emocional pelo apoio vocal de Jones Plant e preenchendo as ideias melódicas proferidas pela escolha das cordas de Page.
O tom é clássico Jones – o Jazz, as cordas de cordas lisas, tocando através de um amplificador de baixo acústico 360/361. É um tom sumptuoso, de um amplificador que foi embalado por todos os grandes – Dave Brown, John McVie, Jaco, Ron Blair…
Oiça o Jones isolado Ramble On bassline e estará a perseguir uma colheita 360 em Reverb. Espere pagar cerca de um milhar. Valerá a pena.
Minha Geração – O Quem (John Entwistle)
O niilismo da juventude, a energia, a necessidade de rasgar tudo, A Minha Geração era o Quem no seu mais compulsivo. Não há um salto enorme da anarquia livre da Minha Geração e dos Estarolas.
O que torna a linha de base da Entwistle tão notável aqui é a sua participação nesta anarquia. Os baixistas seguram-na, não a rasgam. No entanto, aqui está o Entwistle a fazer ambas as coisas, jogando à chamada e à resposta com Roger Daltry.
A banda inteira faz, com o ruído do riff a trabalhar em torno do verso de Daltry, mas Entwistle pega no que é efectivamente um baixo a solo sempre que há mesmo um sopro de ar morto, espaço para causar um pouco mais de devastação. De todos os baixistas aqui, Entwistle – sem dúvida – é o mais emocionante.
Roundabout – Sim (Chris Squire)
Outra faixa em que Chris Squire deveria dividir os seus royalties com créditos com o Sr. Rick N. Backer … Mas, com toda a seriedade, a diversão inicial – por baixo daquela bolha após a introdução icónica – é um delicioso tijolo de 4001 graves, e dá corpo, profundidade e uma ranhura não muito diferente da Miracles’ Love Machine.
Escutar a pista de graves isolada, e é notável a quantidade de dentes e aço no tom do Squire. Há uma salpicadura de pó de fada do zumbido que serve de pseudo-octave para cima. É um pequeno groover, com uma cadência robótica que complementa as chaves suaves do recém-contratado Rick Wakeman.
Lessons In Love – Level 42 (Mark King)
Lessons In Love vê as costeletas justas de Mark King e a sua composição de canções cruzarem-se no cume das suas capacidades. Foi escrito no sótão de King em Streatham, onde tinha uma faixa de oito tambores, e onde a banda estava debaixo da arma para a companhia discográfica.
Polydor precisava de um único. Eles escreveram-no e ele foi para o número um, e ali mesmo pode-se ver a lógica financeira por detrás da velha piada de que o polegar direito do King estava segurado por muito dinheiro.
Escrito nos anos 80, uma década que recompensou a generosidade, King vai tudo com um motivo de bofetada punitiva que é tudo polegar, o tempo todo, um trampolim propulsivo para a melodia.
Outro Um Morde O Pó – Rainha (John Deacon)
Aqui, John Deacon atirou a banda para um laço, escrevendo algo no seu próprio vapor e dando à Rainha o seu maior sucesso de vendas. Sendo esta perfeição pop-rock, com uma sensação de discoteca de fronteira, a simplicidade é toda importante, com Deacon a bater as primeiras batidas do bar com um staccato baixo E e terminando-o com uma nota de 16º que tees up the next. Muito do movimento é entre as notas.
Elsewhere, Deacon limpou os decks, musicalmente falando, tirando o splash da bateria de Roger Taylor, deixando a faixa como um dois-pontos entre o seu plimsoll shuffle e os vocais cinéticos de Freddie Mercury – o apresentador de ópera faz rap – com Brian May a oferecer acompanhamento de fundo de guitarra funk. Majestic.
The Real Me – The Who (John Entwistle)
Legend diz que John Entwistle seguiu esta bassline num só take, que ele estava apenas a brincar. Quando se ouve a sua parte isolada na mistura, até se pode ser perdoado por pensar que foi pela canção errada, mas de alguma forma funciona, uma alquimia que guilda uma canção que está entre as melhores que os Who alguma vez escreveram.
No Who it was lead vocals, guitarra principal, baixo principal, bateria principal. A parte do Entwistle – esparsa, intermitente, volátil – dá ao The Real Me uma sensação de perigo, uma atracção desorientadora e quicksilver, totalmente em sintonia com o tema da canção de personalidades divididas e a procura de identidade.
Freewill – Rush (Geddy Lee)
Freewill é um excelente exemplo da sensibilidade melódica e contenção de Geddy Lee, adoçando toda uma composição. Os Rush são celebrados pelo que trazem intelectualmente para a mesa – ao brincarem com assinaturas de tempo, mudanças chave, apelam ao cérebro. Mas o seu sentido de humanidade permite-lhes captar de forma semelhante o coração.
Uma faixa de stand-out de um álbum stand-out, Permanent Waves dos anos 80, Freewill foi escrita rapidamente, e encontra um sentido de aventura à medida que avança de 4/4 em linha recta, mantendo a ilusão de que é uma canção de pop-rock em linha recta – são as emoções que estamos a sentir – e ainda assim ouvir o que Lee anda a tramar, é um truque de mão.
YYV – Rush (Geddy Lee)
Geddy Lee já falou antes dos seus esforços para aumentar o seu jogo, adicionando padrões funk e je ne sais quois mais ritmados, brincando com as suas unhas num estilo pseudo-flamenco. Como banda, Rush nunca ficou quieto, perseguindo novos sons e avenidas de composição de canções.
Mas acima de tudo, Geddy Lee é um baixista de rock fenomenal, e no YYZ, ele estabelece uma tour de force do baixo de rock com uma linha progressiva jack-in-the-box que se senta ao quadrado no bolso embaraçoso de 10/8, com quintos achatados que dão vida à canção, antes de se abrir para o hino e set-list de agrafes que se tornaria. Tudo veio de um encravamento entre ele e Neil Peart.
Para aqueles que estão apenas a aprender o instrumento, este é um daqueles a colocar lá em cima na lista de aprendizagem, algo para construir as suas costeletas. Se conseguirem tocar com isto em passo de cadeado, já o fizeram como jogador, e 18,19 por cento de vocês dizem que é o melhor bassline de todos os tempos.
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