Chœur, en théâtre et en musique, ceux qui se produisent vocalement en groupe par opposition à ceux qui se produisent seuls. Dans le théâtre grec classique, le chœur était un groupe d’acteurs qui décrivait et commentait l’action principale d’une pièce par le chant, la danse et la récitation. La tragédie grecque a débuté par des représentations chorales, dans lesquelles un groupe de 50 hommes dansait et chantait des dithyrambes, des hymnes lyriques à la gloire du dieu Dionysos. Au milieu du VIe siècle avant J.-C., le poète Thespis est réputé être devenu le premier véritable acteur lorsqu’il a engagé un dialogue avec le chef du chœur. Les représentations chorales ont continué à dominer les premières pièces jusqu’à l’époque d’Eschyle (5e siècle avant J.-C.), qui a ajouté un deuxième acteur et réduit le chœur de 50 à 12 interprètes. Sophocle, qui a ajouté un troisième acteur, a fait passer le chœur à 15, mais l’a réduit à un rôle principalement consultatif dans la plupart de ses pièces (pour un exemple de ce rôle dans la pièce Œdipe Roi, voir la vidéo). Dans la comédie grecque, le chœur était au nombre de 24, et sa fonction a été remplacée par des chants intercalés. La distinction entre la passivité du chœur et l’activité des acteurs est au cœur de l’art des tragédies grecques. Tandis que les protagonistes de la tragédie défient les limites fixées par les dieux pour l’homme, le chœur exprime les craintes, les espoirs et le jugement du peuple, des citoyens moyens. Leur jugement est le verdict de l’histoire.
A mesure que l’importance des acteurs augmentait, les odes du chœur devenaient moins nombreuses et tendaient à avoir moins d’importance dans l’intrigue, jusqu’à devenir finalement de simples interludes décoratifs séparant les actes. Au cours de la Renaissance, le rôle du chœur a été révisé. Dans le drame de l’Angleterre élisabéthaine, par exemple, le nom de chœur désignait une seule personne, souvent l’orateur du prologue et de l’épilogue, comme dans le Docteur Faustus de Christopher Marlowe.
L’utilisation du chœur de groupe a été remise au goût du jour dans un certain nombre de pièces modernes, comme le Deuil devient Électre d’Eugene O’Neill (1931) et le Meurtre dans l’âme de T.S. Eliot (1935).
En musique, le chœur désigne le corps organisé des chanteurs dans l’opéra, l’oratorio, la cantate et la musique d’église ; les compositions chantées par ces corps ; le refrain d’une chanson, chanté par un groupe de chanteurs, entre les couplets pour voix solo ; et, en tant que terme latin médiéval, le crwth (la lyre à archet du Pays de Galles médiéval) et la cornemuse. (Voir chœur.)
Dans les comédies musicales, le chœur, un groupe de joueurs dont les routines de chant et de danse reflètent et améliorent généralement le développement de l’intrigue, est devenu de plus en plus important au cours du XXe siècle. À la fin de l’ère victorienne, la comédie musicale était caractérisée par une intrigue, des personnages et un décor minces, l’attraction principale étant les numéros de chant et de danse, la comédie et une file de choristes légèrement vêtues. Leurs performances offraient un bonus extravagant au début et à la fin des chansons ou des numéros de danse spéciaux, et elles étaient considérées comme les sex symbols tape-à-l’œil de l’époque. Cependant, au fur et à mesure que les comédies musicales se développaient, on accordait plus d’attention à l’intégration de leurs divers éléments. Au milieu des années 1920, les numéros de chant et de danse ont commencé à découler plus naturellement de l’intrigue, et le choeur dansait plus qu’il ne chantait. La danse elle-même a rapidement évolué des lignes de coups de pied synchronisés du début des années 1900 vers des ballets et des danses modernes très sophistiqués.