Nous vous avons demandé quelle était la plus grande ligne de basse du monde, vous avez voté, et par le pouvoir du processus démocratique, nous pouvons maintenant révéler le gagnant.
Mais d’abord, qu’entendons-nous par la plus grande ligne de basse de tous les temps ? Peut-il y avoir une telle chose ? Ce que cette liste nous apprend, c’est qu’il n’y a pas un seul style qui domine les sondages. Il y a la pop, il y a le rock, et le disco, aussi.
On y trouve du métal, de la basse déployée dans des compositions très éloignées du jazz-fusion tel que le pratique Jaco Pastorius, qui, sans grande surprise, a fait partie de la sélection.
Comment apprécier une ligne de basse de James Jamerson sur le même axe que Cliff Burton ? Bien sûr qu’on peut – il s’agit pour la basse de remplir sa fonction, d’amener la mélodie dans la section rythmique, d’étayer le groove, et il en faut de toutes sortes.
Que nos deux premières places soient occupées par le même joueur peut faire sourciller, mais quand on y arrive, bien sûr, c’est exactement à qui on s’attend…
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Le poulet – Jaco Pastorius
Le maître de la guitare basse jazz fusion, Jaco Pastorius, dans son environnement naturel, tournant autour d’une vieille jam de Pee Wee Ellis sur la Bass of Doom, son fretless bricolé son outil pour jimmy ouvrir la porte à de toutes nouvelles possibilités pour le monde de la guitare basse.
Peut-être que cela aurait dû être plus haut dans la liste, les amis ? Mais il constitue un excellent point de départ, une œuvre de jazz funk qui marche et se pavane, cérébrale quand on écrit les notes sur une feuille, mais spirituelle quand on l’entend interprétée. Pastorius en mode jam décontracté, c’est la guitare basse comme spectacle. Cela semble si facile, mais…
Rio – Duran Duran (John Taylor)
Ligne de basse hyper cinétique, Rio a été décrit par John Taylor comme étant une lettre d’amour aux sections rythmiques classiques qui l’ont inspiré, lui et le batteur Roger Taylor. C’est l’heure de gloire de Duran Duran, peut-être aussi celle de la pop britannique.
Comme cela doit être le cas avec la musique pop, tout est en cadence, boulonné ensemble, d’abord conçu puis testé avant de prendre son envol. Il le faut ; la syncope ici est effrayante, et vous avez des crochets massifs à atterrir pour que la chanson fonctionne.
Dans la vidéo ci-dessus, Taylor explique comment ils ont monté la chanson et son approche. En rendant hommage aux grandes sections rythmiques d’antan, les Taylor en sont devenus une eux-mêmes.
Ain’t No Mountain High Enough – Marvin Gaye et Tammi Terrell (James Jamerson)
Un cours magistral de James Jamerson en matière de tonalité, de sensation et d’espace. Le meilleur travail de Jamerson se trouve souvent dans ce qu’il choisit de ne pas jouer, sa discpline et sa retenue ne servant qu’à renforcer les fondamentaux sur lesquels la chanson est construite. Peut-être que c’est la marque infaillible d’un grand joueur ; les chansons sur lesquelles ils jouent sont toutes géniales.
Ceci, bien sûr, est un standard soul, affirmant la vie, et tout sert le chant comme il se doit, mais regardez la piste isolée ci-dessus pour voir à quel point l’espace est ici, et les choix de notes justes soutenant la mélodie. Le ton de Jamerson ? C’est la quintessence de la Motown, boisé, chaud, tout en thump, tout en soul.
Tommy The Cat – Primus (Les Claypool)
Expert en pêche, stoner, vigneron, bassiste…. Les Claypool est le polymathe du polymathe, un homme de notre temps. Personne ne joue comme lui. Lorsque Primus a tourné avec Rush, c’est peut-être Claypool qui était en admiration devant son héros, Geddy Lee, mais ce dernier était à son tour inspiré par le style effervescent de l’homme de Primus.
Il va gratter des accords, taper, frapper des harmoniques et disperser des notes fantômes bien ciblées partout dans son jeu, et nulle part cette vision n’apparaît plus clairement que sur Tommy The Cat. Son groove de basse farfelu et claquant nécessitera un pouce expert et zéro peur.
The Chain – Fleetwood Mac (John McVie)
La ligne de basse dont il est question ici n’apparaît pas avant que le morceau ne tourne sur ses talons vers la fin, ce qui donne à The Chain l’impression d’être l’une des compositions les plus en forme de Janus de l’histoire du rock. Pourtant, d’une certaine manière, cela fonctionne, la tension de la première moitié libérée dans la seconde.
Peut-être que tout cela tient à la façon dont la chanson a été composée, par bribes, fracturée et reconstituée. La ligne de basse de McVie est simple, au premier plan, très probablement enregistrée sur l’Alembic Series 1 qu’il utilisait à cette époque, et c’est une ligne que tout aspirant bassiste devrait apprendre – ne serait-ce que pour contrarier les employés des magasins de musique lorsque vous y allez pour essayer une basse.
Phantom Of The Opera – Iron Maiden (Steve Harris)
La New Wave du Heavy Metal britannique prenait de l’ampleur quand Iron Maiden a sorti ses débuts et Phantom Of The Opera lui a donné l’ambition et l’ampleur qu’il méritait. Comme Steve Harris le décrit, c’était progressif, et cela reste l’un des meilleurs moments de Maiden.
Sept minutes de changements de feeling trépidants et de grandiloquence mélodique, il met en évidence le goût de Maiden pour le théâtral. L’approche de Harris à l’époque est la même qu’aujourd’hui, à savoir régler sa Fender P-Bass à travers un ampli grillé et la chatouiller rapidement et précisément, un doigté infaillible qui est brutalement efficace et, ici, dirige les guitares là où il veut qu’elles aillent. Harris est le bassiste en tant que maestro.
Teen Town – Weather Report (Jaco Pastorius)
Lorsque vous décomposez la ligne de basse de Teen Town et que vous prenez une phrase à la fois, et que vous la gardez lente, cela pourrait presque sembler à portée de main. Mais réécoutez l’enregistrement, à plein tempo, et c’est un acte de génie bravache que vraiment seul Jaco Pastorius peut réussir.
Sûr, beaucoup peuvent le jouer, tout comme beaucoup peuvent jouer Eruption d’Eddie Van Halen, mais Pastorius habite ce morceau, en faisant des bonds tout autour avec sa Fender Jazz ’62 – la basse de la malédiction – et en changeant pour toujours notre regard sur la guitare basse. Le jeu de Pastorius est ici un changement paradigmatique pour l’instrument, sans frettes, sans liens, et visionnaire.
I Want You Back – Jackson 5 (Wilton Felder)
Parfaite pop cristalline, hall-of-famer de Motown, et toujours incontournable sur les pistes de danse 50 ans après, I Want You Back a beaucoup à recommander. Mais la ligne de basse de Wilton Felder est la colle qui tient tout ensemble. C’est la mélodie. C’est le rythme. Et il est impossible de se la sortir de la tête.
Felder était également connu pour son jeu de saxophone. Les Jazz Crusaders étaient sa principale préoccupation. Mais en tant que joueur de session, pincé sur sa basse Fender Telecaster, il a livré quelques performances superlatives avec Donald Byrd, Joen Baez et Marvin Gaye. Aucune n’a pu toucher ceci, cependant.
Hysteria – Muse (Chris Wolstenholme)
Supernova de doubles croches, la basse fuzzée de Chris Wolstenholme coupe vraiment à travers Hysteria. Ici, comme il l’est souvent, Wostenholme fournit à Muse leur sens de la gravité.
Lorsque Bellamy et consorts prennent des choses extra-terrestres, son jeu enracine Muse dans une tradition rock que l’on pourrait faire remonter aux grands fauves – Deep Purple et tout ce jazz.
La clé de cet album est sa nature implacable. Certains bassistes auraient pu le réduire, mais Wolstenholme s’engage pleinement, tête baissée dans la poche, et cela donne une expérience super cinétique qui en fait un tel éternel de la set-list.
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For Whom The Bell Tolls – Metallica (Cliff Burton)
La ligne de basse de For Whom The Bell Tolls se savoure mieux en live. C’est là qu’ils laissent vraiment Cliff Burton se lâcher avec la basse buzzsaw et la pédale wah, une tradition respectée par Jason Newsted et Rob Trujillo, mais guère avec le genre de charisme animaliste de Burton.
Un morceau exceptionnel, le riff chromatique descendant de Burton articule un sentiment de crainte pure – ceci, après tout, est inspiré par les écrits de guerre sans ménagement d’Hemingway – et il n’y a rien de plus exaltant dans une chanson de heavy metal. L’utilisation de la distorsion de la basse et de la wah élargit l’impact du jeu de Burton, comme une bombe sale irradiant le reste de la chanson avec menace.
Come Together – The Beatles (Paul McCartney)
Come Together est un triomphe de la production de George Martin, du lyrisme surréaliste et d’une ligne de basse si louche et insistante que vous pouvez épingler une chanson entière sur elle.
Les Beatles avaient une capacité étrange à équilibrer l’ombre et la lumière, les chansons pop pour les enfants de tous âges et les jams subversives de la fin des années 60. Inspiré par la condamnation à la marijuana de Timothy Leary, Come Together est très proche de cette dernière.
Toutes les lignes de basse de Paul McCartney sont des textes sources essentiels pour savoir comment jouer de l’instrument. Ses choix de notes et sa capacité à marcher sous la chanson sans quitter son poste sont inégalés dans la musique populaire, mais ceci est l’acmé de son jeu de blues.
Orion – Metallica (Cliff Burton)
Metallica avait construit vers quelque chose comme ça depuis un moment. Ils avaient servi d’avertissement avec le solo de basse de Cliff Burton sur Kill ‘Em All, Anasthesia, puis l’horreur froide de l’instrumental épique de Ride The Lightning, The Call Of Ktulu. Mais Orion est le lieu où leurs capacités d’écriture de chansons se sont pleinement épanouies, et où ils ont enfin trouvé le forum pour leur bassiste visionnaire Cliff Burton et ses appétits créatifs prodigieux.
Orion est une bête rare, un instrumental de huit minutes et demie qui ne perd jamais notre intérêt. La plupart du temps, Burton gare son style de basse agressif en lock-step avec le riff avant d’être lâché pour orchestrer une section médiane qui élève le jeu de basse au niveau quasi-orchestral. Vraiment magistral, et un point culminant pour le heavy metal.
Under Pressure – Queen & David Bowie (John Deacon)
Quand David Bowie rejoint Freddie Mercury sur le morceau, il faut quelque chose de spécial, et cela vient via un autre riff de John Deacon qui serait aussi reconnaissable à la guitare basse que Smoke On The Water l’est au jeu de guitare.
Comme pour les riffs de guitare, c’est la simplicité qui fait que ça marche, une insistance qui permet de tout construire par-dessus, un morceau pop-rock tendu qui vire à la grandeur opératique.
Un autre numéro un écrit par Deacon – ou l’était-il ? C’est un titre qui est entré dans la légende, Bowie ou peut-être Roger Taylor ayant aidé Deacon à l’arranger. Quoi qu’il en soit, il s’agit d’une autre ligne de basse qui est entrée dans l’éphémère de la culture pop, sa portée étant étendue par d’autres personnes qui la samplent.
Schism – Tool (Justin Chancellor)
C’est une chanson si typiquement Tool, jouée du début à la fin, le thème et le titre du morceau semblant informer la composition, avec une succession soigneusement élaborée de signatures temporelles alternées.
Il ne reste jamais en place. Si la fonction première de la guitare basse est de donner son groove au morceau – notamment dans le rock/métal/etc -, ici, Justin Chancellor a poussé cette notion à son extrême avant-gardiste.
Ça sonne presque comme du flamenco, le claquement lourd en aigus de Chancellor faisant vraiment ressortir ces hammer-ons legato. C’est une approche étrangère, typique de lui, qui désarçonne l’auditeur, promettant que tous les paris sont ouverts.
Money – Pink Floyd (Roger Waters)
Money est l’exemple type de la ligne de basse comme riff de guitare. Dans un univers parallèle, ça aurait pu être David Gilmour qui l’aurait écrit et aurait joué le riff sur sa Stratocaster. Mais il s’agit ici d’un joint de Roger Waters, envoyant le riff une octave plus bas, où les basses rendent le groove hermétique et lui confèrent une autorité et une inertie qui ne pourraient pas être obtenues à la guitare.
Money est la chanson la plus immédiate de The Dark Side Of The Moon, la ligne de basse est assez facile à jouer, mais elle est rusée dans le contexte, jouée principalement en 7/8 et revenant à 4/4 pour le solo de Gilmour.
Good Times – Chic (Bernard Edwards)
Incessamment échantillonnée, citée et rejouée au point d’être tissée dans l’ADN de la pop-culture, la ligne de basse de Good Times de Bernard Edwards est le ne plus ultra des ‘lignes’ disco, son tempo et son groove un cas d’étude de ce qui fera bouger les gens sous le charme lustré d’une boule de paillettes.
Sans elle, l’évolution du hip-hop aurait été freinée, et bien d’autres choses encore. Les parallèles de 110bpm avec le travail de John Deacon sur Another One Bites The Dust témoignent de sa portée, le fait que sa gravité funk pure ait suffi à attirer des titans du rock orchestral dans son orbite.
Pour autant, aussi omniprésent qu’il soit devenu, quand on l’entend, c’est le moment de danser, de jouer de l’air bass, et peut-être de se demander comment on pourrait injecter autant d’invention dans une partie rythmique.
What’s Going On – Marvin Gaye (James Jamerson)
De nouveau, c’est le son Motown rondouillard de James Jamerson, son feeling, son sens des convenances rythmiques et sa sensibilité mélodique qui le place au sommet de toute conversation sur le ‘Best in Bass’.
Sa discographie est incomparable – mais la session pour le cris de cœur de Marvin Gaye en 1971 fait partie de la légende. Une légende dans laquelle Jamerson a été détaché tout juste après une soirée de réjouissances dans un club, plaqué sur une chaise dans le studio A de Motown pour ensuite livrer sa prise en étant couché sur le dos comme une tortue retournée.
Dave Van DePitte, qui a écrit les parties, a regardé Jamerson se détendre dans sa partie, la détendre pour la faire exister. Seuls les vrais grands ont un accès aussi instantané à leurs meilleures performances.
Ramble On – Led Zeppelin (John Paul Jones)
Le bruit sourd et arrondi de la Fender Jazz Bass 1962 de John Paul Jones contribue à cimenter Ramble On comme l’un des meilleurs moments de Led Zeppelin sur disque. Il s’agit d’une jam acoustique en vrac à laquelle Jones donne un but et un poids émotionnel en soutenant le chant de Plant et en complétant les idées mélodiques proférées par le choix d’accords de Page.
Le son est classique de Jones – le Jazz, les cordes à bobinage plat, jouant à travers un ampli de basse Acoustic 360/361 à écopes. C’est un son somptueux, provenant d’un ampli qui a été bercé par tous les grands – Dave Brown, John McVie, Jaco, Ron Blair…
Écoutez la ligne de basse Ramble On isolée de Jones et vous courrez après une 360 vintage sur Reverb. Attendez-vous à payer environ mille dollars. Ça en vaudra la peine.
My Generation – The Who (John Entwistle)
Le nihilisme de la jeunesse, l’énergie, le besoin de tout déchirer, My Generation était les Who à leur plus compustible. Il n’y a pas un grand saut entre l’anarchie en roue libre de My Generation et les Stoogies.
Ce qui rend la ligne de basse d’Entwistle si remarquable ici, c’est sa participation à cette anarchie. Les bassistes la maintiennent, ils ne la déchirent pas. Pourtant, ici, Entwistle fait les deux, jouant des appels et des réponses avec Roger Daltry.
Tout le groupe le fait, avec le claquement du riff fonctionnant autour du couplet de Daltry, mais Entwistle prend ce qui est effectivement un solo de basse dès qu’il y a ne serait-ce qu’une bouffée d’air mort, de l’espace pour causer un peu plus de ravages. De tous les bassistes ici, Entwistle – sans doute – est le plus exaltant.
Roundabout – Yes (Chris Squire)
Encore un morceau sur lequel Chris Squire devrait partager ses royalties avec des crédits avec M. Rick N. Backer …. Mais plus sérieusement, le funk-thunder frontal qui bouillonne après l’intro iconique est un délicieux claquement de basse 4001, et il donne à Roundabout du corps, de la profondeur et un groove pas trop différent de Love Machine des Miracles.
L’écoute de la piste de basse isolée, et il est remarquable de constater la quantité de dents et d’acier dans le ton de Squire. Il y a un saupoudrage de poussière de fret buzz féerique qui sert de pseudo-octave vers le haut. C’est un groover allègre, avec une cadence robotique qui complète les touches moelleuses du nouveau Rick Wakeman.
Lessons In Love – Level 42 (Mark King)
Lessons In Love voit les côtelettes justes de Mark King et son sens de l’écriture se croiser au sommet de ses capacités. Il a été écrit dans le loft de King à Streatham, où il avait un huit-pistes à bobine, et où le groupe était sous le feu de la maison de disques.
Polydor avait besoin d’un single. Ils l’ont écrit et il est devenu numéro un, et là, vous pouvez voir le raisonnement financier derrière la vieille blague selon laquelle le pouce droit de King était assuré pour beaucoup d’argent.
Écrit dans les années 80, une décennie qui récompensait la largesse, King y va à fond avec un motif de claquement punitif qui est tout le pouce, tout le temps, un tremplin propulsif pour la mélodie.
Another One Bites The Dust – Queen (John Deacon)
Ici, John Deacon a jeté le groupe dans la boucle, en écrivant quelque chose sur sa propre vapeur et en donnant à Queen son plus grand succès de vente. C’est la perfection pop-rock, avec une touche disco, la simplicité est importante, Deacon frappant les premiers temps de la mesure avec un Mi grave staccato et la finissant avec une double croche qui prépare la suivante. Une grande partie du mouvement se fait entre les notes.
Ailleurs, Deacon a nettoyé les ponts, musicalement parlant, en enlevant l’éclaboussure de la batterie de Roger Taylor, laissant le morceau comme un jeu à deux entre son shuffle plimsoll et les voix cinétiques de Freddie Mercury – le showman opératique fait du rap – avec Brian May offrant un accompagnement de fond à la guitare funk. Majestueux.
The Real Me – The Who (John Entwistle)
La légende veut que John Entwistle ait tracké cette ligne de basse en une seule prise, qu’il ait juste fait l’idiot. Quand on écoute sa partie isolée dans le mixage, on pourrait même être pardonné de penser qu’elle était destinée à la mauvaise chanson, mais d’une certaine manière, ça fonctionne, une alchimie qui guident une chanson qui est parmi les meilleures que les Who aient jamais écrites.
Dans les Who, c’était chant principal, guitare principale, basse principale, batterie principale. La partie d’Entwistle – clairsemée, intermittente, volatile – donne à The Real Me un sentiment de danger, un attrait désorientant et vif-argent, tout à fait en phase avec le thème de la chanson sur le dédoublement de personnalité et la recherche d’identité.
Freewill – Rush (Geddy Lee)
Freewill est un excellent exemple de la sensibilité mélodique et de la retenue de Geddy Lee édulcorant une composition entière. Rush est célébré pour ce qu’il apporte à la table intellectuellement – en jouant avec les signatures temporelles, les changements de clé, il fait appel au cerveau. Mais leur sens de l’humanité leur permet de capter de la même manière le cœur.
Titre exceptionnel d’un album exceptionnel, Permanent Waves de 1980, Freewill a été écrit rapidement, et trouve un sens de l’aventure en progressant hors du 4/4 droit, maintenant l’illusion qu’il s’agit d’une chanson pop-rock droite – ce sont les émotions que nous ressentons – et pourtant, écoutez ce que Lee prépare, c’est un sacré tour de passe-passe.
YYV – Rush (Geddy Lee)
Geddy Lee a déjà parlé de ses efforts pour augmenter son jeu, ajoutant des motifs funk et des je ne sais quoi de plus rythmique, jouant avec ses ongles dans un style pseudo-flamenco. En tant que groupe, Rush n’est jamais resté assis, chassant de nouveaux sons et de nouvelles avenues d’écriture de chansons.
Mais avant tout, Geddy Lee est un bassiste de rock phénoménal, et sur YYZ, il pose un tour de force de basse rock avec une ligne progressive jack-in-the-box qui s’installe carrément dans la pochette gênante du 10/8, des quintes aplaties secouant la chanson à la vie, avant de s’ouvrir sur l’hymne et l’incontournable set-list qu’elle allait devenir. Tout est venu d’une jam entre lui et Neil Peart.
Pour ceux qui viennent d’apprendre l’instrument, c’est l’un de ceux à placer là-haut sur la liste des choses à apprendre, quelque chose vers lequel construire vos chops. Si vous pouvez jouer en cadence avec cela, vous avez réussi en tant que joueur, et 18,19 % d’entre vous disent que c’est la meilleure ligne de basse de tous les temps.
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