Vi abbiamo chiesto quale fosse la più grande bassline del mondo, avete votato e, grazie al potere del processo democratico, possiamo ora rivelare il vincitore.
Ma prima, cosa intendiamo per la più grande bassline di sempre? Può esistere una cosa del genere? Quello che questa lista ci dice è che non c’è un solo stile che domina i sondaggi. C’è il pop, c’è il rock e anche la disco.
C’è il metal, il basso impiegato in composizioni lontane dal jazz-fusion praticato da Jaco Pastorius, che, non è una grande sorpresa, è entrato nella lista.
Come possiamo valutare un basso di James Jamerson sullo stesso asse di Cliff Burton? Certo che possiamo – si tratta di basso che serve la sua funzione, che porta la melodia nella sezione ritmica, che sostiene il groove, e ce ne vuole di tutti i tipi.
Il fatto che i nostri due primi posti siano stati presi dallo stesso musicista potrebbe sollevare qualche sopracciglio, ma poi, quando ci arrivi, ovviamente, è esattamente quello che ti aspetteresti…
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Il Pollo – Jaco Pastorius
Il maestro del basso jazz fusion, Jaco Pastorius, nel suo ambiente naturale, gira intorno a una vecchia jam di Pee Wee Ellis sul Bass of Doom, il suo fretless fatto in casa il suo strumento per aprire la porta a tutte le nuove possibilità del mondo del basso.
Forse questo avrebbe dovuto essere più in alto nella lista, gente? Ma è un ottimo punto di partenza, un lavoro di jazz funk che cammina, impettito, che è cerebrale quando si scrivono le note sul foglio, ma spirituale quando lo si sente eseguito. Pastorius in modalità jam rilassata è il basso come spettacolo. Sembra così facile, ma…
Rio – Duran Duran (John Taylor)
Un basso ipercinetico, Rio è stato descritto da John Taylor come una lettera d’amore alle sezioni ritmiche classiche che hanno ispirato lui e il batterista Roger Taylor. È il momento migliore dei Duran Duran, forse anche del pop britannico.
Come deve essere con la musica pop, tutto è a passo di carica, imbullonato insieme, progettato prima e poi testato prima di prendere il volo. Deve essere così; la sincope qui è spaventosa, e ci sono dei ganci enormi da far atterrare perché la canzone funzioni.
Nel video qui sopra, Taylor spiega come hanno messo insieme la canzone e il suo approccio. Nel rendere omaggio alle grandi sezioni ritmiche del passato, i Taylor ne sono diventati uno loro stessi.
Ain’t No Mountain High Enough – Marvin Gaye e Tammi Terrell (James Jamerson)
Un masterclass di James Jamerson in tono, sensazione e spazio. Il miglior lavoro di Jamerson si trova spesso in ciò che sceglie di non suonare, la sua discrezione e il suo riserbo servono solo a rafforzare i fondamenti su cui la canzone è costruita. Forse questo è il marchio di sicurezza di un grande musicista; le canzoni su cui suonano sono tutte grandi.
Questo, naturalmente, è uno standard del soul, che afferma la vita, e tutto serve la voce come dovrebbe, ma guardate la traccia isolata qui sopra per vedere quanto spazio c’è qui, e le scelte delle note giuste che sostengono la melodia. Il tono di Jamerson? È la quintessenza della Motown, legnoso, caldo, tutto tonfo, tutto soul.
Tommy The Cat – Primus (Les Claypool)
Esperto pescatore, tossico, produttore di vino, bassista… Les Claypool è il polimatico dei polimatici, un uomo dei nostri tempi. Nessuno suona come lui. Quando i Primus erano in tour con i Rush, forse Claypool era in soggezione con il suo eroe, Geddy Lee, ma Lee era a sua volta ispirato dallo stile effervescente dell’uomo dei Primus.
Fa accordi strumble, picchietta, colpisce gli armonici e sparge note fantasma ben mirate in tutto il suo modo di suonare, e da nessuna parte questa visione è più chiara che su Tommy The Cat. Il suo stravagante, slap-happy groove di basso richiederà un pollice esperto e zero paura.
The Chain – Fleetwood Mac (John McVie)
La bassline di cui stiamo parlando qui non appare fino a quando il brano gira sui tacchi verso la fine, facendo sentire The Chain come una delle composizioni con più facce da Giano nella storia del rock. Eppure in qualche modo funziona, la tensione della prima metà viene rilasciata nella seconda.
Forse tutto questo ha a che fare con il modo in cui la canzone è stata composta, a pezzi, frammentata e messa insieme. La linea di basso di McVie è semplice, in primo piano, molto probabilmente registrata sull’Alembic Series 1 che usava in quel periodo, ed è una di quelle che ogni aspirante bassista dovrebbe imparare – anche solo per far arrabbiare gli impiegati dei negozi di musica quando vai a provare un basso.
Phantom Of The Opera – Iron Maiden (Steve Harris)
La New Wave of British Heavy Metal stava prendendo slancio quando gli Iron Maiden pubblicarono il loro debutto e Phantom Of The Opera gli diede l’ambizione e la portata che meritava. Come lo descrive Steve Harris, era progressivo, e rimane uno dei migliori momenti dei Maiden.
Sette minuti di frenetici cambi di ritmo e di grandiosità melodica, mostrano il gusto dei Maiden per la teatralità. L’approccio di Harris, allora come oggi, è quello di far passare il suo Fender P-Bass attraverso un amplificatore a manovella e solleticarlo velocemente e con precisione, un fingerstyle infallibile che è brutalmente efficiente e, qui, punta le chitarre dove vuole che vadano. Harris è il bassista come maestro.
Teen Town – Weather Report (Jaco Pastorius)
Quando si scompone la bassline di Teen Town e si prende una frase alla volta, e la si tiene lenta, potrebbe quasi sembrare a portata di mano. Ma riascoltando la registrazione, a tempo pieno, è un atto di bravura geniale che solo Jaco Pastorius può fare.
Certo, molti possono suonarlo, così come molti possono suonare Eruption di Eddie Van Halen, ma Pastorious abita questo pezzo, saltellando tutt’intorno con il suo Fender Jazz del ’62 – il basso del destino – e cambiando per sempre il nostro modo di vedere il basso. Il modo in cui Pastorius suona qui è un cambiamento paradigmatico per lo strumento, senza tasti, slegato e visionario.
I Want You Back – Jackson 5 (Wilton Felder)
Perfezione pop cristallina, una Motown hall-of-famer, e ancora un punto fermo del dancefloor dopo 50 anni, I Want You Back ha molto da raccomandare. Ma la linea di basso di Wilton Felder è il collante che tiene tutto insieme. È la melodia. È il ritmo. Ed è impossibile toglierselo dalla testa.
Felder era altrettanto noto per il suo sassofono. I Jazz Crusaders erano la sua preoccupazione principale. Ma come session player, con il suo Fender Telecaster Bass, ha realizzato delle performance superlative con Donald Byrd, Joen Baez e Marvin Gaye. Nessuno poteva toccare questo, però.
Hysteria – Muse (Chris Wolstenholme)
Una supernova di sedici note, il basso fuzzed-up di Chris Wolstenholme taglia davvero attraverso Hysteria. Qui, come spesso accade, Wostenholme fornisce ai Muse il loro senso di gravità.
Quando Bellamy et al stanno prendendo cose extra-terrestri, il suo modo di suonare radica i Muse in una tradizione rock che potrebbe essere fatta risalire alle grandi bestie – Deep Purple e tutto quel jazz.
La chiave di questo è la sua natura implacabile. Alcuni bassisti avrebbero potuto ridimensionarla, ma Wolstenholme si impegna completamente, a testa bassa nella tasca, e questo rende l’esperienza super-cinetica che la rende una perenne della set-list.
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For Whom The Bell Tolls – Metallica (Cliff Burton)
La linea di basso di For Whom The Bell Tolls si gusta meglio dal vivo. È qui che lasciano davvero che Cliff Burton si scateni con il basso a buzzsaw e il pedale wah, una tradizione rispettata da Jason Newsted e Rob Trujillo ma difficilmente con il tipo di carisma animalesco di Burton.
Un brano di spicco, il riff cromatico discendente di Burton articola un senso di puro terrore – questo, dopo tutto, è ispirato dalla scrittura di guerra di Hemingway – e non c’è niente di più esaltante in una canzone heavy metal. L’uso della distorsione del basso e del wah aumenta l’impatto del modo di suonare di Burton, come una bomba sporca che irradia il resto della canzone con la minaccia.
Come Together – The Beatles (Paul McCartney)
Come Together è un trionfo della produzione di George Martin, del lirismo surrealista e di una linea di basso così forte e insistente che ci si può appuntare un’intera canzone.
I Beatles avevano una straordinaria capacità di bilanciare luci e ombre, le canzoni pop per bambini di tutte le età e le jam sovversive di fine anni Sessanta. Ispirata alla condanna di Timothy Leary per la marijuana, Come Together è proprio quest’ultima.
Tutte le linee di basso di Paul McCartney sono testi sorgente essenziali su come suonare lo strumento. Le sue scelte di note e la sua capacità di camminare sotto la canzone senza lasciare il suo posto sono ineguagliate nella musica popolare, ma questo è l’acme del suo blues playing.
Orion – Metallica (Cliff Burton)
I Metallica stavano costruendo qualcosa di simile da un po’. Avevano avvertito con l’assolo di basso di Cliff Burton su Kill ‘Em All, Anasthesia, e poi il freddo orrore dell’epico strumentale di Ride The Lightning, The Call Of Ktulu. Ma Orion è dove le loro capacità di scrivere canzoni sono sbocciate completamente, e dove hanno finalmente trovato il forum per il loro visionario bassista Cliff Burton e i suoi prodigiosi appetiti creativi. Per la maggior parte, Burton parcheggia il suo stile aggressivo di basso al passo con il riff prima di essere lasciato libero di orchestrare una sezione centrale che eleva il gioco del basso al quasi-orchestrale. Veramente magistrale, e un punto di riferimento per l’heavy metal.
Under Pressure – Queen & David Bowie (John Deacon)
Quando hai David Bowie che si unisce a Freddie Mercury nel brano, hai bisogno di qualcosa di speciale, e questo arriva attraverso un altro riff di John Deacon che sarebbe riconoscibile al basso come Smoke On The Water lo è alla chitarra.
Come per i riff di chitarra, è la semplicità che lo fa funzionare, un’insistenza che permette a tutto di essere costruito sopra, un brano pop-rock teso che si trasforma in grandeur operistica.
Un altro numero uno scritto da Deacon – o lo era? Questo è uno che è entrato nella leggenda, con Bowie o forse Roger Taylor che ha aiutato Deacon ad arrangiarlo. In ogni caso, questa è un’altra linea di basso che è entrata nell’ephemera pop-culturale, la cui portata è stata estesa da altri che l’hanno campionata.
Schism – Tool (Justin Chancellor)
Questa è una canzone che è così tipicamente Tool, giocata dall’inizio alla fine, con il tema e il titolo del brano che sembrano informare la composizione, con una successione attentamente realizzata di tempi alternati.
Non sta mai fermo. Se la funzione primaria del basso è quella di dare alla canzone il suo groove – specialmente nel rock/metal/etc – allora, qui, Justin Chancellor ha portato la nozione al suo estremo avant-garde.
Suona quasi come il flamenco, lo sferragliare di Chancellor sugli acuti fa sì che i colpi di martello legati saltino davvero fuori. E’ un approccio alieno, tipico di lui, che disorienta l’ascoltatore, promettendo che tutte le scommesse sono annullate.
Money – Pink Floyd (Roger Waters)
Money è l’esempio da manuale della bassline come riff di chitarra. In un universo parallelo, avrebbe potuto essere David Gilmour a scriverlo e a suonare il riff sulla sua Stratocaster. Ma questo è un pezzo di Roger Waters, che manda il riff un’ottava più in basso, dove il low-end rende il groove ermetico e gli conferisce un’autorità e un’inerzia che non si potrebbero ottenere con la chitarra.
Money è la canzone più immediata di The Dark Side Of The Moon, la linea di basso è abbastanza facile da suonare, ma è ingannevole nel contesto, suonata principalmente in 7/8 e tornando a 4/4 per l’assolo di Gilmour.
Good Times – Chic (Bernard Edwards)
Campionato incessantemente, citato e riprodotto al punto da essere intessuto nel DNA della cultura pop, il giro di basso di Good Times di Bernard Edwards è il ne plus ultra delle linee da discoteca, il suo tempo e il suo groove sono un esempio di ciò che farà muovere la gente sotto l’incantesimo brillante di una palla di lustrini.
Senza di essa, l’evoluzione dell’hip-hop sarebbe stata bloccata, e molto di più. I paralleli a 110bpm con il lavoro di John Deacon su Another One Bites The Dust testimoniano la sua portata, che la sua pura gravità funk era sufficiente a trascinare nella sua orbita i titani del rock orchestrale.
Anche se non importa quanto sia diventato onnipresente, quando lo si ascolta, è il momento di ballare, suonare il basso e forse chiedersi come si possa iniettare tanta invenzione in una parte ritmica.
What’s Going On – Marvin Gaye (James Jamerson)
Ancora una volta, è il tono Motown paffuto e rotondo di James Jamerson, il suo feeling, il suo senso di correttezza ritmica e sensibilità melodica lo pone al vertice di qualsiasi conversazione sul “Best in Bass”.
La sua discografia è incomparabile – ma la sessione per il cris de coeur di Marvin Gaye del 1971 è roba da leggenda. È una leggenda in cui Jamerson è stato distaccato fresco da una serata di baldoria in un club, messo su una sedia nel Motown Studio A per consegnare successivamente la sua ripresa mentre era sdraiato sulla schiena come una tartaruga rovesciata.
Dave Van DePitte, che scriveva le parti, guardava Jamerson rilassarsi nella parte, rilassarsi nell’essere. Solo i veri grandi hanno un accesso così immediato alle loro migliori performance.
Ramble On – Led Zeppelin (John Paul Jones)
Il suono morbido e rotondo del Fender Jazz Bass di John Paul Jones del 1962 aiuta a cementare Ramble On come uno dei migliori momenti dei Led Zeppelin su disco. È una jam acustica a fogli sciolti che riceve uno scopo e un peso emotivo dal supporto di Jones alla voce di Plant e dal riempimento delle idee melodiche proposte dalla scelta degli accordi di Page.
Il tono è quello classico di Jones – il Jazz, le corde ad avvolgimento piatto, che suonano attraverso un amplificatore per basso Acoustic 360/361. È un tono sontuoso, da un amplificatore che è stato suonato da tutti i grandi – Dave Brown, John McVie, Jaco, Ron Blair…
Ascoltate la linea di basso Ramble On isolata da Jones e sarete a caccia di un 360 vintage su Reverb. Aspettatevi di pagare circa mille dollari. Ne varrà la pena.
My Generation – The Who (John Entwistle)
Il nichilismo della gioventù, l’energia, il bisogno di fare a pezzi tutto, My Generation erano gli Who al loro massimo comprimario. Non c’è un grande salto tra l’anarchia a ruota libera di My Generation e gli Stoogies.
Quello che rende la linea di basso di Entwistle così degna di nota qui è la sua partecipazione a questa anarchia. I bassisti lo tengono giù, non lo strappano. Eppure qui c’è Entwistle che fa entrambe le cose, giocando a chiamare e rispondere con Roger Daltry.
L’intera band lo fa, con il clatter del riff che lavora intorno al verso di Daltry, ma Entwistle prende quello che è effettivamente un assolo di basso ogni volta che c’è anche solo un soffio di aria morta, spazio per causare un po’ più di caos. Di tutti i bassisti qui, Entwistle – probabilmente – è il più esaltante.
Roundabout – Yes (Chris Squire)
Un’altra traccia su cui Chris Squire dovrebbe dividere le sue royalties con i crediti con il signor Rick N. Backer . . . Ma in tutta serietà, il funk-thunder che spunta dopo l’intro iconico è un delizioso clank di basso 4001, e dà a Roundabout corpo, profondità e un groove non troppo dissimile da Love Machine dei Miracles.
Ascoltando la traccia di basso isolata, è notevole la quantità di denti e acciaio nel tono di Squire. C’è una spolverata di polvere di fret buzz che serve come pseudo-ottava in alto. È un groover agile, con una cadenza robotica che completa le tastiere pastose del neo-assunto Rick Wakeman.
Lessons In Love – Level 42 (Mark King)
Lessons In Love vede le capacità giuste di Mark King e il suo ingegno cantautorale intersecarsi al vertice delle sue abilità. Fu scritto nel loft di King a Streatham, dove aveva un otto piste a bobina, e dove la band era sotto tiro per la casa discografica.
Polydor aveva bisogno di un singolo. Lo scrissero e andò al numero uno, e proprio lì si può vedere la logica finanziaria dietro la vecchia barzelletta che il pollice destro di King era assicurato per molti soldi.
Scritto negli anni ’80, un decennio che premiava la generosità, King va fino in fondo con un motivo di schiaffi punitivo che è tutto pollice, tutto il tempo, un trampolino propulsivo per la melodia.
Another One Bites The Dust – Queen (John Deacon)
Qui, John Deacon ha lanciato la band per un loop, scrivendo qualcosa da solo e dando ai Queen il loro più grande successo. Essendo questa la perfezione del pop-rock, con una sensazione al limite del disco, la semplicità è tutta importante, con Deacon che colpisce le prime battute della barra con un Mi basso staccato e la finisce con una sedicesima nota che dà il via alla successiva. Gran parte del movimento è tra le note.
Altrove, Deacon ha sgombrato i ponti, musicalmente parlando, togliendo la spruzzata dalla batteria di Roger Taylor, lasciando il brano come un gioco a due tra il suo plimsoll shuffle e la voce cinetica di Freddie Mercury – lo showman operistico fa rap – con Brian May che offre un accompagnamento di chitarra funk di sottofondo. Maestoso.
The Real Me – The Who (John Entwistle)
La leggenda vuole che John Entwistle abbia registrato questa linea di basso in una sola volta, che stesse solo scherzando. Quando si ascolta la sua parte isolata nel mix, si potrebbe anche essere perdonati per aver pensato che fosse per la canzone sbagliata, ma in qualche modo funziona, un’alchimia che costruisce una canzone che è tra le più belle che gli Who abbiano mai scritto.
Negli Who era voce principale, chitarra principale, basso principale, batteria principale. La parte di Entwistle – rada, intermittente, volatile – dà a The Real Me un senso di pericolo, un’attrattiva disorientante e veloce, del tutto in sintonia con il tema della sdoppiamento della personalità e della ricerca dell’identità della canzone.
Freewill – Rush (Geddy Lee)
Freewill è un ottimo esempio della sensibilità melodica e della moderazione di Geddy Lee che addolcisce un’intera composizione. I Rush sono celebrati per ciò che portano al tavolo intellettualmente – giocando con i tempi, i cambiamenti di chiave, fanno appello al cervello. Ma il loro senso di umanità permette loro di catturare allo stesso modo il cuore.
Un brano di spicco da un album di spicco, Permanent Waves del 1980, Freewill è stato scritto in fretta, e trova un senso di avventura mentre progredisce fuori dai 4/4, mantenendo l’illusione che sia una canzone pop-rock diretta – queste sono le emozioni che proviamo – eppure ascoltate cosa sta facendo Lee, è un bel gioco di prestigio.
YYV – Rush (Geddy Lee)
Geddy Lee ha parlato prima dei suoi sforzi per aumentare il suo gioco, aggiungendo modelli funk e un je ne sais quois più ritmico, suonando con le unghie in uno stile pseudo-flamenco. Come gruppo, i Rush non sono mai stati fermi, inseguendo nuovi suoni e nuove vie di scrittura delle canzoni.
Ma prima di tutto, Geddy Lee è un fenomenale bassista rock, e su YYZ, fa un tour de force di basso rock con una linea progressiva di jack-in-the-box che sta nella scomoda tasca del 10/8, le quinte appiattite che danno vita alla canzone, prima di aprirsi all’inno e al punto fermo della scaletta che sarebbe diventato. Tutto è nato da una jam tra lui e Neil Peart.
Per quelli che stanno appena imparando lo strumento, questo è uno di quelli da mettere lassù nella lista da imparare, qualcosa verso cui costruire i vostri chops. Se riesci a suonare a tempo di musica con questo brano, sei diventato un musicista, e il 18,19 per cento di voi dice che è la migliore bassline di tutti i tempi.
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