El minimalismo en el arte visual, generalmente denominado «arte minimalista», «arte literalista» y «arte ABC», surgió en Nueva York a principios de la década de 1960, a medida que nuevos y antiguos artistas se acercaban a la abstracción geométrica; explorando a través de la pintura en los casos de Nassos Daphnis, Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman y otros; y de la escultura en las obras de varios artistas como David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y otros. La escultura de Judd se expuso en 1964 en la Green Gallery de Manhattan, al igual que las primeras obras con luz fluorescente de Flavin, mientras que otras galerías importantes de Manhattan, como la Leo Castelli Gallery y la Pace Gallery, también comenzaron a exponer a artistas centrados en la abstracción geométrica. Además, hubo dos exposiciones seminales e influyentes en los museos: Primary Structures: Younger American and British Sculpture, que se celebró del 27 de abril al 12 de junio de 1966 en el Jewish Museum de Nueva York, organizada por el conservador de pintura y escultura del museo, Kynaston McShine, y Systemic Painting, en el Solomon R. Guggenheim Museum, comisariada por Lawrence Alloway, también en 1966, en la que se mostró la abstracción geométrica en el mundo del arte estadounidense a través de Shaped canvas, Color Field y Hard-edge painting. A raíz de esas exposiciones y de algunas otras surgió el movimiento artístico denominado arte minimalista.
En un sentido más amplio y general, se encuentran las raíces europeas del minimalismo en las abstracciones geométricas de los pintores asociados a la Bauhaus, en las obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian y otros artistas asociados al movimiento De Stijl, y al movimiento constructivista ruso, y en la obra del escultor rumano Constantin Brâncuși.
En Francia, entre 1947 y 1948, Yves Klein concibió su Sinfonía Monótona (1949, formalmente La Sinfonía Monótona-Silencio) que consistía en un único acorde sostenido de 20 minutos seguido de un silencio de 20 minutos -un precedente tanto de la música de zumbidos de La Monte Young como de los 4′33″ de John Cage. Klein ya había pintado monocromos en 1949, y realizó la primera exposición privada de esta obra en 1950, pero su primera muestra pública fue la publicación del libro de artista Yves: Peintures en noviembre de 1954.
El arte minimalista también se inspira en parte en las pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, y en las obras de artistas tan diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi y otros. El minimalismo fue también una reacción contra la subjetividad pictórica del Expresionismo Abstracto que había sido dominante en la Escuela de Nueva York durante las décadas de 1940 y 1950.
El artista y crítico Thomas Lawson señaló en su ensayo de Artforum de 1981 Last Exit: Painting, el minimalismo no rechazó las afirmaciones de Clement Greenberg sobre la reducción de la pintura modernista a la superficie y los materiales, sino que tomó sus afirmaciones al pie de la letra. Según Lawson, el minimalismo fue el resultado, aunque el término «minimalismo» no fue generalmente adoptado por los artistas asociados a él, y muchos practicantes del arte designados como minimalistas por los críticos no lo identificaron como un movimiento en sí. También se opuso a esta afirmación el propio Clement Greenberg; en su epílogo de 1978 a su ensayo Modernist Painting desmintió esta interpretación de lo que había dicho, escribiendo:
Ha habido otras interpretaciones de lo que escribí que llegan a ser absurdas: Que considero la planitud y la inclinación de la planitud no sólo como las condiciones limitantes del arte pictórico, sino como criterios de calidad estética en el arte pictórico; que cuanto más avanza una obra en la autodefinición de un arte, mejor será esa obra. El filósofo o historiador del arte que pueda imaginarme -o a cualquiera- llegando a juicios estéticos de esta manera, lee sorprendentemente más en sí mismo que en mi artículo.
En contraste con los expresionistas abstractos más subjetivos de la década anterior, con las excepciones de Barnett Newman y Ad Reinhardt; los minimalistas también fueron influenciados por los compositores John Cage y LaMonte Young, el poeta William Carlos Williams y el arquitecto paisajista Frederick Law Olmsted. Declararon muy explícitamente que su arte no tenía que ver con la autoexpresión, y a diferencia de la filosofía más subjetiva de la década anterior sobre la creación de arte, la suya era «objetiva». En general, las características del minimalismo incluían formas geométricas, a menudo cúbicas, desprovistas de mucha metáfora, igualdad de partes, repetición, superficies neutras y materiales industriales.
Robert Morris, teórico y artista, escribió un ensayo en tres partes, «Notes on Sculpture 1-3», publicado originalmente en tres números de Artforum en 1966. En estos ensayos, Morris intentaba definir un marco conceptual y unos elementos formales para sí mismo y que abarcaran las prácticas de sus contemporáneos. Estos ensayos prestaban gran atención a la idea de la gestalt: «partes… unidas de tal manera que crean una resistencia máxima a la separación perceptiva». Más tarde, Morris describió un arte representado por una «marcada dispersión lateral y sin unidades regularizadas ni intervalos simétricos…» en «Notes on Sculpture 4: Beyond Objects», publicado originalmente en Artforum, 1969, continuando con que «la indeterminación de la disposición de las partes es un aspecto literal de la existencia física de la cosa». El cambio general en la teoría del que este ensayo es expresión sugiere la transición hacia lo que más tarde se denominaría postminimalismo.
Uno de los primeros artistas asociados específicamente con el minimalismo fue el pintor Frank Stella, cuatro de cuyas primeras «pinturas negras» se incluyeron en la muestra de 1959, 16 Americans, organizada por Dorothy Miller en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La anchura de las franjas de los cuadros negros de Frank Stella solía estar determinada por las dimensiones de los maderos que utilizaba como bastidores para sostener el lienzo, visibles contra el lienzo como la profundidad del cuadro cuando se miraba de lado. Por tanto, las decisiones de Stella sobre las estructuras de la superficie frontal del lienzo no eran totalmente subjetivas, sino que estaban precondicionadas por una característica «dada» de la construcción física del soporte. En el catálogo de la exposición, Carl Andre señalaba: «El arte excluye lo innecesario. Frank Stella ha considerado necesario pintar rayas. No hay nada más en su pintura». Estas obras reductoras contrastaban fuertemente con las pinturas llenas de energía y aparentemente muy subjetivas y cargadas de emoción de Willem de Kooning o Franz Kline y, en cuanto a los precedentes de la generación anterior de expresionistas abstractos, se inclinaban más hacia las pinturas de campo de color menos gestuales y a menudo sombrías de Barnett Newman y Mark Rothko. Stella recibió la atención inmediata de la exposición del MoMA, pero otros artistas -entre ellos Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell y Robert Ryman- también habían empezado a explorar las rayas, los formatos monocromáticos y el Hard-edge desde finales de los años 50 hasta los 60.
Debido a una tendencia en el arte minimalista a excluir lo pictórico, lo ilusionista y lo ficticio en favor de lo literal, hubo un movimiento que se alejó de lo pictórico y se acercó a las preocupaciones escultóricas. Donald Judd empezó como pintor y terminó como creador de objetos. Su ensayo seminal, «Specific Objects» (publicado en Arts Yearbook 8, 1965), fue una piedra de toque teórica para la formación de la estética minimalista. En este ensayo, Judd encontró un punto de partida para un nuevo territorio para el arte estadounidense, y un rechazo simultáneo de los valores artísticos europeos heredados residuales. Señaló las pruebas de este desarrollo en las obras de una serie de artistas activos en Nueva York en aquella época, como Jasper Johns, Dan Flavin y Lee Bontecou. De importancia «preliminar» para Judd era la obra de George Earl Ortman, que había concretado y destilado las formas de la pintura en geometrías contundentes, duras y cargadas de filosofía. Estos Objetos Específicos habitaban un espacio que entonces no se podía clasificar cómodamente ni como pintura ni como escultura. El hecho de que la identidad categórica de estos objetos estuviera en tela de juicio y de que evitaran la asociación fácil con convenciones trilladas y demasiado familiares era parte de su valor para Judd.
Este movimiento fue criticado por los críticos e historiadores del arte formalista modernista. Algunos críticos pensaban que el arte minimalista representaba un malentendido de la dialéctica moderna de la pintura y la escultura, tal y como la definía el crítico Clement Greenberg, posiblemente el crítico de pintura estadounidense dominante en el periodo anterior a la década de 1960. La crítica más notable al minimalismo la realizó Michael Fried, un crítico formalista, que se opuso a la obra por su «teatralidad». En Art and Objecthood (publicado en Artforum en junio de 1967) declaró que la obra de arte minimalista, especialmente la escultura minimalista, se basaba en un compromiso con la fisicalidad del espectador. Sostenía que obras como las de Robert Morris transformaban el acto de ver en un tipo de espectáculo, en el que se desvelaba el artificio de la observación y la participación del espectador en la obra. Fried consideraba que este desplazamiento de la experiencia del espectador desde un compromiso estético interior a un acontecimiento exterior a la obra de arte era un fracaso del arte mínimo. El ensayo de Fried fue inmediatamente cuestionado por el postminimalista y artista de la tierra Robert Smithson en una carta al editor del número de octubre de Artforum. Smithson afirmaba lo siguiente «Lo que más teme Fried es la conciencia de lo que está haciendo -a saber, ser él mismo teatral»
Además de los ya mencionados Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman y Donald Judd otros artistas minimalistas son: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Mino Argento, Agnes Martin, Jo Baer, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson y Anne Truitt.
Ad Reinhardt, en realidad un artista de la generación del Expresionismo Abstracto, pero cuyas pinturas reductoras casi negras parecían anticipar el minimalismo, dijo lo siguiente sobre el valor de un enfoque reductivo del arte:
Cuantas más cosas tenga, cuanto más ocupada esté la obra de arte, peor será. Más es menos. Menos es más. El ojo es una amenaza para la vista clara. Desnudarse es obsceno. El arte empieza por deshacerse de la naturaleza.
La observación de Reinhardt aborda directamente y contradice la consideración de Hans Hofmann de la naturaleza como fuente de sus propias pinturas expresionistas abstractas. En un famoso intercambio entre Hofmann y Jackson Pollock contado por Lee Krasner en una entrevista con Dorothy Strickler (1964-11-02) para los Archivos de Arte Americano del Instituto Smithsoniano. En palabras de Krasner:
Cuando llevé a Hofmann para que conociera a Pollock y viera su obra, lo que ocurrió antes de que nos mudáramos aquí, la reacción de Hofmann fue: una de las preguntas que le hizo a Jackson fue: «¿Trabajas a partir del natural?». No había bodegones ni modelos alrededor y la respuesta de Jackson fue: «Yo soy la naturaleza». Y la respuesta de Hofmann fue: «Ah, pero si trabajas de memoria, te repetirás». A lo que Jackson no respondió en absoluto. El encuentro entre Pollock y Hofmann tuvo lugar en 1942.