Minimalismo na arte visual, geralmente referido como “arte minimalista”, “arte literalista” e “ABC Art” surgiram em Nova Iorque no início dos anos 60 à medida que novos e mais velhos artistas se orientavam para a abstracção geométrica; explorando através da pintura nos casos de Nassos Daphnis, Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman e outros; e escultura nas obras de vários artistas incluindo David Smith, Anthony Caro, Tony Smith, Sol LeWitt, Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd e outros. A escultura de Judd foi exibida em 1964 na Green Gallery em Manhattan, assim como as primeiras obras de luz fluorescente de Flavin, enquanto outras galerias líderes de Manhattan como Leo Castelli Gallery e Pace Gallery também começaram a mostrar artistas focados na abstracção geométrica. Para além disso, houve duas exposições seminais e influentes em museus: Estruturas primárias: Escultura Americana e Britânica mais jovem exibida de 27 de Abril a 12 de Junho de 1966 no Museu Judaico em Nova Iorque, organizada pelo Curador de Pintura e Escultura do museu, Kynaston McShine e Pintura Sistémica, no Museu Solomon R. Guggenheim com curadoria de Lawrence Alloway também em 1966, que mostrou abstracção geométrica no mundo da arte americana através de Tela em forma, Campo de Cores, e Pintura de Ponta Duro. Na sequência dessas exposições e de algumas outras surgiu o movimento artístico chamado arte minimalista.
Num sentido mais amplo e geral, encontram-se raízes europeias de minimalismo nas abstracções geométricas de pintores associados à Bauhaus, nas obras de Kazimir Malevich, Piet Mondrian e outros artistas associados ao movimento De Stijl, e ao movimento construtivista russo, e na obra do escultor romeno Constantin Brâncuși.
Em França entre 1947 e 1948, Yves Klein concebeu a sua Sinfonia Monótona (1949, formalmente The Monotone-Silence Symphony) que consistia num único acorde sustentado de 20 minutos seguido de um silêncio de 20 minutos – um precedente tanto à música do zangão de La Monte Young como à de John Cage 4′33″. Klein tinha pintado monocromos já em 1949, e realizou a primeira exposição privada desta obra em 1950 – mas a sua primeira exposição pública foi a publicação do livro do Artista Yves: Peintures em Novembro de 1954.
A arte minimalista é também inspirada em parte pelas pinturas de Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers, e as obras de artistas tão diversos como Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi, e outros. O minimalismo foi também uma reacção contra a subjectividade pintora do expressionismo abstrato que tinha sido dominante na Escola de Nova Iorque durante os anos 40 e 50.
Artista e crítico Thomas Lawson notou no seu ensaio Artforum Last Exit de 1981: Pintura, o minimalismo não rejeitou as afirmações de Clement Greenberg sobre a redução da pintura modernista à superfície e aos materiais, ao ponto de levar as suas afirmações à letra. Segundo Lawson, o resultado foi o minimalismo, embora o termo “minimalismo” não tenha sido geralmente abraçado pelos artistas a ele associados, e muitos praticantes de arte designados minimalista pelos críticos não o identificaram como um movimento enquanto tal. Também o próprio Clemente Greenberg foi excepção a esta afirmação; no seu pós-escrito de 1978 ao seu ensaio Modernist Painting (Pintura Modernista), negou esta interpretação do que ele disse, escrevendo:
Houve mais algumas construções do que escrevi que vão para o absurdo: Que considero a planeza e a inclinação da planeza não apenas como as condições limitativas da arte pictórica, mas como critérios de qualidade estética na arte pictórica; que quanto mais uma obra avançar na autodefinição de uma arte, melhor será essa obra. O filósofo ou historiador de arte que pode imaginar-me – ou qualquer pessoa – a chegar a julgamentos estéticos desta forma lê de forma chocante mais em si próprio do que no meu artigo.
Em contraste com os expressionistas abstractos mais subjectivos da década anterior, com as excepções de Barnett Newman e Ad Reinhardt; os minimalistas foram também influenciados pelos compositores John Cage e LaMonte Young, pelo poeta William Carlos Williams, e pelo arquitecto paisagista Frederick Law Olmsted. Afirmaram muito explicitamente que a sua arte não era sobre auto-expressão, e, ao contrário da filosofia mais subjectiva da década anterior sobre a arte fazer a sua, era “objectiva”. Em geral, as características do minimalismo incluíam formas geométricas, muitas vezes cúbicas purgadas de muita metáfora, igualdade de partes, repetição, superfícies neutras, e materiais industriais.
Robert Morris, um teórico e artista, escreveu um ensaio em três partes, “Notes on Sculpture 1-3”, originalmente publicado em três números do Artforum em 1966. Nestes ensaios, Morris tentou definir um quadro conceptual e elementos formais para si próprio e um que abraçasse as práticas dos seus contemporâneos. Estes ensaios prestaram grande atenção à ideia da gestalt – “partes… unidas de tal forma que criam uma resistência máxima à separação perceptual”. Morris descreveu mais tarde uma arte representada por uma “dispersão lateral marcada e sem unidades regularizadas ou intervalos simétricos…” em “Notes on Sculpture 4: Beyond Objects”, originalmente publicado no Artforum, 1969, continuando a dizer que “a indeterminação da disposição das partes é um aspecto literal da existência física da coisa”. A mudança geral em teoria de que este ensaio é uma expressão sugere a transição para o que mais tarde seria referido como pós-minimalismo.
Um dos primeiros artistas especificamente associados ao minimalismo foi o pintor Frank Stella, quatro dos quais “pinturas negras” iniciais foram incluídos na exposição de 1959, 16 americanos, organizada por Dorothy Miller no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque. A largura das riscas das pinturas negras de Frank Stellas era muitas vezes determinada pelas dimensões da madeira que ele utilizava para as macas para suportar a tela, visível contra a tela como a profundidade da pintura quando vista de lado. As decisões de Stella sobre as estruturas na superfície frontal da tela não foram, portanto, inteiramente subjectivas, mas pré-condicionadas por uma característica “dada” da construção física do suporte. No catálogo da exposição, Carl Andre observou: “A arte exclui o desnecessário”. Frank Stella considerou necessário pintar listras. Não há mais nada na sua pintura”. Estas obras redutoras contrastaram fortemente com as pinturas de Willem de Kooning ou Franz Kline, aparentemente altamente subjectivas e emocionalmente carregadas de energia e, em termos de precedentes entre a geração anterior de expressionistas abstractos, inclinaram-se mais para as pinturas menos gestuais, muitas vezes sombrias, de campo de cor de Barnett Newman e Mark Rothko. Stella recebeu atenção imediata da exposição do MoMA, mas outros artistas – incluindo Kenneth Noland, Gene Davis, Robert Motherwell, e Robert Ryman – também começaram a explorar listras, formatos monocromáticos e de ponta dura dos finais dos anos 50 até aos anos 60.
Por causa de uma tendência na arte minimalista para excluir o pictórico, ilusionista e fictício em favor do literal, houve um movimento de afastamento da pintura e para preocupações escultóricas. Donald Judd tinha começado como pintor, e terminou como criador de objectos. O seu ensaio seminal, “Objectos Específicos” (publicado no Anuário de Artes 8, 1965), foi uma pedra de toque da teoria para a formação de uma estética minimalista. Neste ensaio, Judd encontrou um ponto de partida para um novo território para a arte americana, e uma rejeição simultânea dos valores artísticos residuais herdados da Europa. Apontou a evidência deste desenvolvimento nos trabalhos de uma série de artistas activos em Nova Iorque na altura, incluindo Jasper Johns, Dan Flavin e Lee Bontecou. De importância “preliminar” para Judd foi o trabalho de George Earl Ortman, que tinha concretizado e destilado as formas de pintura em geometrias rombas, duras e de carga filosófica. Estes Objectos Específicos habitavam um espaço que depois não podia ser confortavelmente classificado nem como pintura nem como escultura. Que a própria identidade categórica desses objectos estava em questão, e que eles evitavam uma associação fácil com convenções bem gastas e demasiado familiares, fazia parte do seu valor para Judd.
Este movimento foi criticado por críticos de arte e historiadores formalistas modernistas. Alguns críticos pensavam que a arte mínima representava um mal-entendido da dialéctica moderna da pintura e da escultura, tal como definida pelo crítico Clement Greenberg, indiscutivelmente o crítico americano dominante da pintura no período que antecedeu a década de 1960. A crítica mais notável do minimalismo foi produzida por Michael Fried, um crítico formalista, que se opôs à obra com base na sua “teatralização”. Em Art and Objecthood (publicado no Artforum em Junho de 1967) declarou que a obra de arte mínima, particularmente a escultura mínima, se baseava num compromisso com a fisicalidade do espectador. Argumentou que trabalhos como o de Robert Morris transformaram o acto de ver num tipo de espectáculo, no qual o artifício da observação do acto e a participação do espectador na obra foram revelados. Fried viu este deslocamento da experiência do espectador de um compromisso estético dentro, para um evento fora da obra de arte como um fracasso da arte mínima. O ensaio de Fried foi imediatamente contestado pelo carteiro e artista terrestre Robert Smithson numa carta ao editor na edição de Outubro do Artforum. Smithson declarou o seguinte: “O que Fried mais teme é a consciência do que está a fazer – sendo ele próprio teatral”
Além dos já mencionados Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman e Donald Judd, outros artistas mínimos incluem: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Charles Hinman, Ronald Bladen, Paul Mogensen, Ronald Davis, David Novros, Brice Marden, Blinky Palermo, Mino Argento, Agnes Martin, Jo Baer, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson, e Anne Truitt.
Ad Reinhardt, na realidade um artista da geração expressionista abstrata, mas aquele cujas pinturas redutoras quase todas pretas pareciam antecipar o minimalismo, tinha isto a dizer sobre o valor de uma abordagem redutora da arte:
Quanto mais coisas houver, quanto mais ocupada for a obra de arte, pior será. Mais é menos. Menos é mais. O olho é uma ameaça para limpar a vista. A postura nua de si mesmo é obscena. A arte começa com o livrar-se da natureza.
A observação de Reinardt aborda directamente e contradiz a consideração de Hans Hofmann pela natureza como a fonte das suas próprias pinturas expressionistas abstractas. Num famoso intercâmbio entre Hofmann e Jackson Pollock, tal como foi dito por Lee Krasner numa entrevista com Dorothy Strickler (1964-11-02) para o Smithsonian Institution Archives of American Art. Nas palavras de Krasner:
Quando trouxe Hofmann para conhecer Pollock e ver o seu trabalho que foi antes de nos mudarmos para cá, a reacção de Hofmann foi – uma das perguntas que fez a Jackson foi: “Trabalhas da natureza? Não havia naturezas mortas ou modelos por perto e a resposta de Jackson foi: “Eu sou da natureza”. E a resposta de Hofmann foi: “Ah, mas se trabalhas de cor, vais repetir-te”. Ao que Jackson não respondeu de todo. O encontro entre Pollock e Hofmann teve lugar em 1942.